BALKRISHNA DOSHI. ARQUITECTURA PARA TODOS

 

El Museo ICO ha presentado la primera retrospectiva dedicada en España a la obra completa de Balkrishna Doshi (Pune, India, 1927–Ahmedabad, India, 2023). La exposición, titulada, Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos (del 5 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024), es un proyecto del Vitra Design Museum y la Wüstenrot Foundation en colaboración con la Vastushilpa Foundation.  

El famoso arquitecto y urbanista indio, el primero de su país en ser galardonado en 2018 con el premio Pritzker, fue uno de los pocos pioneros de la arquitectura moderna en el subcontinente indio. A lo largo de sus más de 60 años de carrera, Doshi realizó un gran número de proyectos de las más diversas tipologías. En sus obras no se limitaba simplemente a adoptar los principios de la arquitectura moderna, sino que los conciliaba con las tradiciones locales y las circunstancias culturales, materiales y naturales del lugar.  

La exposición muestra numerosos proyectos de gran importancia realizados entre 1958 y 2014, y abarca un amplio espectro que va desde la planificación de ciudades y colonias residenciales enteras, universidades e instituciones culturales, edificios gubernamentales y administrativos, hasta casas privadas y espacios interiores. 

Cuando Doshi comenzó su carrera como arquitecto, el funcionalismo, que había desbancado la visión holística del diseño propia del Movimiento Moderno, estaba en su punto álgido. Sin embargo Doshi, que había sido testigo del avance de líneas de pensamiento ancladas en lo local, principalmente a raíz de su viaje a Japón de 1958, comprendió lo tremendamente importante que es entender el pasado al tiempo que se trata de afrontar las exigencias del futuro. Esta convicción le llevó a buscar un léxico arquitectónico para el contexto indio que reflejara los patrones de comportamiento y los estilos de vida locales. 

Muchas de las propuestas de Doshi nacieron de su toma de conciencia de los problemas irresueltos de un país en vías de desarrollo habitado por más de mil millones de personas. Las formas que cobran su arquitectura  surgen de su decisión de dotar a sus proyectos de la máxima flexibilidad y versatilidad a cambio del mínimo coste posible. 

La intuición ha jugado un papel muy importante en la materialización de las ideas de Doshi, quien cree que la arquitectura provoca un profundo impacto en los seres humanos y en sus conciencias. Doshi dedicó cuatro décadas de su carrera a crear instituciones fuera de la norma que con el tiempo se han convertido en destacados centros de enseñanza, investigación, debate y diálogo. También el compromiso de Doshi con el ámbito de la vivienda social le llevó a diseñar proyectos residenciales pioneros para colectivos con pocos recursos económicos, influido por la declaración de Gandhi sobre el concepto de bienestar social. 

PICASSO, LO SAGRADO Y LO PROFANO

 

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza cierra sus proyectos vinculados a la Celebración Picasso 1973/2023 con Picasso, lo sagrado y lo profano, una exposición comisariada por Paloma Alarcó que se presenta en las salas 53 a 55 de la planta primera del museo. El discurso de la muestra propone estudiar la audacia y originalidad con la que el artista se acercó tanto al mundo clásico como a los temas de la tradición judeocristiana, desvelando su capacidad de integrar elementos y problemas del arte anterior y de reflexionar sobre la esencia última de la pintura. Picasso conjugó en su obra lo divino y lo humano en su sentido más amplio y profundo, e intuyó que, desde el principio de los tiempos, las expresiones artísticas habían adoptado una dimensión sagrada. Cuando mira al arte del pasado nos desvela nuevos modos de interpretar la historia y, con su clarividencia, nos sigue dando claves fundamentales al incierto mundo contemporáneo. 

 

El arte era para Picasso un medio de exorcizar tanto sus propios temores como los desafíos de la humanidad y él mismo se consideraba una suerte de chamán, poseedor de un poder sobrenatural con capacidad de metamorfosear el mundo visible. Con esa convicción y rodeado de todo un mundo de referencias mágicas, Picasso desempeña el papel de intercesor entre pueblos y civilizaciones, entre el arte y el espectador, a través de unos temas en la que la distinción entre lo sagrado y lo profano apenas existe. 

La exposición reúne un total de 40 obras, 22 de ellas de Picasso. A las ocho que pertenecen a las colecciones Thyssen se suman varios préstamos del Musée national Picasso-Paris y de otros coleccionistas e instituciones, así como pinturas de El Greco, Rubens, Zurbarán, Van der Hamen, Delacroix, una escultura de Pedro de Mena y algunos grabados de Goya. A través de tres décadas de su producción y alrededor de tres tramas temáticas, se establece un diálogo que pone de manifiesto la singularidad y las paradojas del arte de Picasso, su personal reinterpretación de los temas y géneros de la tradición artística española y europea y el modo en que los mitos y ritos tanto paganos como cristianos se fusionan en muchas de sus creaciones, sobre todo a la hora de tratar los asuntos más universales de la vida, la muerte, el sexo, la violencia y el dolor. En Iconofagia se aborda la apropiación de determinados aspectos del pasado a través de la contemplación de las obras en los museos o de las reproducciones fotográficas que Picasso recopiló compulsivamente; Laberinto personal se centra en la narración de sus obsesiones personales mediante la reelaboración de los mitos y epopeyas clásicas, y Ritos sagrados y profanos se adentra en su acercamiento a los ritos paganos o a la herencia de lo sacramental a través de diferentes alegorías y cosmologías cristianas.  

La exposición termina con un dibujo preparatorio para El hombre del cordero (1943), una escultura de grandes dimensiones que Picasso se plantea como nuevo reto en pleno periodo de ocupación nazi en París. El artista vuelve una vez más la mirada a la tradición y recupera la imagen del pastor y el cordero, uno de los símbolos más antiguos sobre la salvación del hombre, cuya iconografía se remonta al Moscóforo o el Crióforo del arte griego, transformado en el Buen Pastor paleocristiano y recuperado en el Renacimiento. Creada en un momento de profunda crisis, esta imagen simboliza el terror de vivir en una Europa dominada por los totalitarismos, pero también la idea de un hombre de una enorme dimensión humana en medio de las ruinas. La capacidad de expresar esta dualidad - el bien y el mal, lo sagrado y lo profano - fue sin duda uno de los grandes logros de Picasso.

La muestra que ha sido comisariada por Paloma Alarcó, podrá visitarse hasta el 14 de enero de 2024 en las salas de exposiciones temporales de la primera planta, de martes a domingo, de 10 a 19 horas; sábados, de 10 a 21 horas. Lunes de 12 a 16 h (Lunes Mastercard, acceso gratuito).

Se ha publicado un catálogo con textos de Paloma Alarcó.

Paloma Alarcó, Bernard Ruiz Picasso y Emilio Acevedo

LUIS GORDILLO INAUGURA EN LA SALA ALCALÁ 31 UNA EXPOSICIÓN QUE REÚNE UN CENTENAR DE OBRAS DE LAS ÚLTIMAS DOS DÉCADAS

Luis Gordillo, J+C (Jirafas + Caballos) 2021 ©VEGAP, Madrid 2023, Colección Luis Gordillo

La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid ha inaugurado dime quién eres Yo, exposición que reúne una selección de obras que Luis Gordillo ha creado en las dos últimas décadas y que se adentra por el laberinto psíquico, emocional y artístico de su personalidad. Comisariada por Bea Espejo, la muestra analiza las líneas de investigación más destacadas del artista centrando la atención en la pintura pero otorgando un papel importante a la fotografía, el collage y el dibujo, un territorio muy característico donde la imagen en proceso define configuraciones internas que construyen su obra. 

dime quién eres Yo es un ejercicio del artista por sorprenderse a sí mismo en cada sala y en cada planta, pensadas como una forma incierta pero eficaz de conocerse y de darse a conocer. “En las últimas dos décadas, su modo de pintar sigue siendo el mismo: el artista está en la pintura pero no siempre está pintando. Gordillo ha tenido cierta aversión a situarse dentro de un cauce único, no solo en relación con una cuestión teórica o de concepto, sino más bien con una cuestión de carácter, de manera de ser y, sobre todo, de manera de sentir”, explica Bea Espejo.

La de Luis Gordillo, artista fundamental en el arte español y un referente en las nuevas perspectivas de la imagen pictórica y de la naturaleza fotográfica, es una de las mentes más rápidas, lúcidas y curiosas del contexto del arte. Con el pulso agitado y activo que transmite la energía de un artista que a los 89 años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones, la Sala Alcalá 31 organiza la mayor retrospectiva de su obra en Madrid desde la que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó en 2007, año en el que fue galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas.

dime quién eres Yo enlaza con aquella exposición y, para ello, el recorrido que se plantea empieza con la pieza que cerraba aquella muestra para adentrarnos después en el corpus artístico que ha ido configurando desde entonces. De esta manera, la pieza que da la bienvenida en la Sala Alcalá 31 es Martirologio cromático (2006) aunque la que cerraba era Iceberg tropical. Esta muestra funciona como un impulso, como quien camina dos pasos atrás para coger carrerilla. Como una especie de mapa que dice “vengo de allí y voy hacia aquí”. 

Desde entonces, su obra no ha cambiado de manera radical pero sí se pueden encontrar matices que la diferencian. “Mi obra ha ido creciendo. En los 80 tuvo un momento de consagración y de maduración y ese proceso de cambio no ha parado nunca. No soy un artista que se acomoda en una manera de trabajar y se dedica a copiarse a sí mismo. Supone un gran esfuerzo cada día porque la pintura, si se toma en serio, es un trabajo muy duro. Con esta muestra mi obra está terminando”, apunta Luis Gordillo. 

El objetivo de esta temporal, que reúne también algunos de sus antipoemas y que cuenta con un catálogo coeditado junto a la editorial Turner con textos de Luis Gordillo, Bea Espejo y la historiadora del arte Chus Martínez, es implicar al visitante de manera activa y mostrarle las tensiones y energías que desprende el trabajo del artista desde dentro, ofreciendo una doble perspectiva: por un lado, una visión macroscópica de familias afines de cuadros y temas recurrentes de su carrera y, por otra, una observación detenida de las convulsiones, exploraciones y derivas de su proceso creativo. 

En este sentido, las obras de esta exposición “se entienden como contenedores cuya función es dar una forma externa a lo que fluye, a lo que se acaba -apunta Espejo-. Aunque todo en su pintura última está a punto de empezar”.

La larga carrera artística del sevillano Luis Gordillo muestra un personal eclecticismo que funde desde el pop al informalismo o la geometría. La ironía, el uso del color y la investigación tecnológica de la imagen y sus usos, dejan ver la disyuntiva entre un trabajo directo y expresivo y una realización controlada, limpia y perfeccionista. Inclasificable y personal, su obra ha recibido importantes premios nacionales e internacionales.

ALBERTO CORAZÓN. REGRESAR ES NO VOLVER

 

En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando se ha presentado esta semana una exposición que abarca parte de las obras del que ha sido considerado como el hombre de los mil logos. Artista multidisciplinar  destacó por sus aportaciones en escultura, pintura y diseño y  dejó su impronta en muchas de las grandes instituciones españolas. La ONCE, Cercanías, Mapfre, El Círculos de Bellas Artes o el Teatro de la Zarzuela, son algunas de las empresas que aún son reconocidas por el logo que Corazón creo para ellas. 

La muestra en esta ocasión se centra en sus pinturas y es un recorrido donde se desvelan influencias y mensajes cruzados entre los bodegones, jardines de arena y paisajes de Corazón, con lienzos y esculturas que forman parte de la colección de la Academia, una mirada transversal a través de géneros clásicos confrontados con la interpretación del artista.

Pintor, escultor y diseñador, sus comienzos se remontan a 1965 cuando simultaneaba el arte conceptual, el diseño gráfico y la gestión editorial. En esos años fundó la Editorial Ciencia Nueva y Alberto Corazón editor, introduciendo en el mercado español los textos de las vanguardias históricas y las corrientes estructuralistas en el pensamiento y la crítica de arte. 

“Vuelvo a encontrar refugio en la memoria. Desde hace años mantengo diálogos interiores con otros artistas, que se formalizan dentro de mí”.

Participó en la Bienal de Venecia de 1976 junto con Tàpies y el Equipo Crónica, y en 1978, la Bienal de París le invitó a exponer en el Petit Palais con Antonio Saura. Un año más tarde, expuso en la Galería Alexander Iolas de Nueva York, fecha en la que dio por terminado el período conceptual. 

 Durante diez años se retiró de cualquier actividad relacionada con el mundo del arte y mantuvo una larga reflexión sobre el sentido de la creación plástica en el cambio de siglo. Se dedicó exclusivamente al diseño, como elemento de cohesión social y cultural. Sus cubiertas de libros, carteles, logotipos y programas de identidad corporativa inundaron y revolucionaron el país. Alberto Corazón se convirtió en una referencia nacional e internacional. Dotó al diseño de un papel protagonista para la modernización de la sociedad española en la recién estrenada democracia. 

“Regresar no es volver”, escribió, “Es hacer un nuevo camino”. Estas palabras marcaron su vuelta a la actividad artística. Las cuarenta y cinco obras de Alberto Corazón que se exhiben en esta sala, realizadas a partir de 1990, establecen un vínculo entre el presente y el pasado, proponen distintos horizontes y múltiples interrogantes. Sus obras, confrontadas a los óleos y aguatintas de los grandes maestros, adquieren riqueza expresiva a través del papel, el lienzo, el grafito y el color.

La muestra está comisariada por Ana Arambarri y se podrá visitar en la Sala de Exposiciones Temporales hasta el 14 de enero de 2024.