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lunes, 8 de junio de 2026

LA ARTISTA ELENA JIMÉNEZ RECIBE EL PREMIO NACIONAL DE ARTE GRÁFICO 2025 EN RECONOCIMIENTO A SU TRAYECTORIA

 


Esta mañana ha tenido lugar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando la inauguración de una muestra de Elena Jiménez, recientemente galardonada con el Premio Nacional de Arte Gráfico, el más prestigioso galardón de arte gráfico que se concede en España.

En el acto ha intervenido la delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, quien ha destacado la importancia de respaldar iniciativas que contribuyen a preservar, difundir y acercar al público el arte gráfico. En este sentido, ha subrayado la “inmensa labor” que desarrolla la Calcografía Nacional en la promoción de una disciplina que, “siendo clásica, sabe al mismo tiempo ser contemporánea”, al integrar las técnicas tradicionales de estampación con otras manifestaciones artísticas como la escultura, la fotografía, el dibujo, la cerámica o la videoinstalación. También ha elogiado la obra de Elena Jiménez, a quien ha definido como “una artista inquieta” que “reflexiona y nos hace reflexionar”, capaz de crear “artefactos intelectuales en los que la preocupación crítica va de la mano de la ambición estética”. Una artista que no solo plantea preguntas sino que además nos da las respuestas. 


Por su parte Tomás Marco, director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ha resaltado la dedicación de Elena Jiménez al arte del grabado de manera interrumpida desde hace cuatro décadas, explorando las posibilidades de la imagen, con la imprevisibilidad de quien asume el riesgo de no instalarse en la comodidad de las convenciones, una carrera honesta marcada por la voluntad de abrir el espacio de la estampa. Además de reconocer su labor como docente, alcanzando la condición de maestra, en el más exacto sentido del término. Igualmente ha recalcado la importancia y significado de las pocas ocasiones en que se da un consenso unánime entre los colegas de una determinada profesión hacia quien recibe el premio en reconocimiento a una trayectoria. De lo cual no nos ha quedado la menor duda al escuchar los aplausos con los que ha sido recibida Elena Jiménez nada más entrar en la Sala de Esculturas y que se han repetido al menos en dos ocasiones por parte de todo el público asistente. 


Javier de Blas, comisario de la muestra junto a la propia Elena Jiménez,  ha dicho: «Además del arte gráfico, Elena emplea tratamientos específicos del dibujo, la fotografía, la cerámica y la instalación. Una de sus aportaciones más relevantes ha sido la exploración de los límites de la imagen múltiple en instalaciones de gráfica expandida, así como la indagación en parámetros procesuales, objetuales y conceptuales alternativos dentro del campo de la estampa». 

El testimonio tangible del premio concedido a la artista  consiste en una estampa de Goya y el jurado que lo ha otorgado ha sido presidido por el académico delegado de la Calcografía, Museo y Exposiciones, Víctor Nieto, y lo integraron como vocales la directora del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Carlota Bustos, la responsable de Artes Visuales del Instituto Cervantes, María José Magaña, y la catedrática de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid, Rocío de la Villa.


En el catálogo de la exposición,  que reúne una selección representativa de los trabajos realizados por la artista en los últimos veinticinco años junto a un retrato de la misma realizado por la fotógrafa María Antonia García de la Vega, Isabel Tejeda subraya el carácter multidisciplinar de la práctica de Jiménez: «Ha experimentado en el entrelazamiento, hasta la fusión, de las técnicas de la estampación tradicional con la escultura, la fotografía, el dibujo, la cerámica, la instalación e incluso el vídeo de vocación performativa.»

La exposición podrá visitarse desde el 9 de junio hasta 26 de julio en la sede de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, calle Alcalá, 13, Madrid, de martes a domingo, de 10:00 a 15:00 h.

Imágenes de Sala © Conchita Meléndez




miércoles, 8 de octubre de 2025

LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO PRESENTA LA EXPOSICIÓN: “LA COMEDIA: 150 AÑOS DEL TEATRO (1875-2025)”

 


A partir de hoy se podrá visitar en el hall del Teatro de la Comedia la exposición  "La Comedia: 150 años del teatro (1875-2025),   que se celebra con motivo del 150 aniversario de la apertura del mismo. La muestra estará abierta al público en el vestíbulo del teatro hasta el 25 de enero de 2026, de martes a domingo en horario de 10:00 h. a 19:30 h.

Esta exposición, concebida, organizada y producida por la CNTC y comisariada por Antonio Castro Jiménez, experto en temas referentes al teatro y Cronista de la Villa y Corte, ofrece un recorrido visual e histórico por uno de los escenarios más emblemáticos de Madrid. Dividida en ocho apartados, presenta una cuidada selección de documentos, planos, fotografías y programas que resumen las etapas más relevantes del teatro: desde su inauguración y reconstrucción tras el incendio de 1915, hasta su consolidación como sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico en 1985 y la rehabilitación integral del edificio en el siglo XXI.

Entre las piezas destacadas se encuentran reproducciones de figuras emblemáticas que decoraron el Teatro de la Comedia, como son las históricas figuras-candelabro representadas por dos nativos de cuerpo completo, que permanecieron más de un siglo en el lugar que ahora ocupan, y el busto de Jacinto Benavente, cedido temporalmente por la Sociedad La Farándula y que fue instalado en el vestíbulo en 1955.

La exposición rememora también hitos como la reinauguración del teatro en 2015 con El alcalde de Zalamea, dirigida por Helena Pimenta, y la creación de la Sala Tirso de Molina, que amplió la oferta escénica y la capacidad del teatro. 

El Teatro de la Comedia, Inaugurado el 18 de septiembre de 1875 y diseñado por Agustín Ortiz de Villajos, es el tercero más antiguo de Madrid en funcionamiento y continúa siendo un referente cultural indispensable para la ciudad. Tras el incendio de 1915, fue reconstruido por Tirso García Escudero, cuya familia lo gestionó hasta 1998. En 1985 pasó a ser sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y, después de un cierre de trece años para una profunda rehabilitación, reabrió en 2015 con dos salas operativas.

Entre los carteles que figuran en esta exposición están uno al lado del otro en la vitrina de la entrada el correspondiente a la primera obra que se representó en el teatro 'El espejo de cuerpo entero' (1875)  y el de la última, Fuenteovejuna, que está en funcionamiento en el momento actual. También se incluye una fotografía del antiguo café El Gato Negro, un establecimiento de Madrid situado en la calle del Príncipe número 14, junto al teatro de la Comedia famoso por albergar la tertulia de Jacinto Benavente.

Y por supuesto no podían faltar una serie de retratos de algunos de los actores y actrices más importantes que han pasado por la tablas del Teatro de la Comedia,  así como varias fotografías de escena. Sin duda esta exposición es un documento vivo para la historia de uno de los teatros más emblemáticos de la capital.

Fotografías ©Antonio Castro

viernes, 12 de septiembre de 2025

JAKIUNDE PRESENTA EN EL REAL JARDÍN BOTÁNICO-CSIC LA VOZ Y EL TALENTO DE 26 ACADÉMICAS EN LAS CIENCIAS, LAS ARTES Y LAS LETRAS

 


Jakiunde, La Academia de las Ciencias, de las Artes y de las Letras del País Vasco, Navarra e Iparralde, trae a Madrid la exposición ’26 mujeres en las ciencias, artes y letras’ que se puede visitar hasta el 11 de enero de 2026 en el Pabellón Villanueva. La muestra se completa con un ciclo de cinco coloquios públicos en el RJB sobre temas de actualidad.


Las protagonistas de la exposición son 26 académicas de Jakiunde, de distintas generaciones y disciplinas, que han alcanzado la excelencia profesional y científica en campos como la química, la música, la psicología, la literatura o la inteligencia artificial. A través de retratos y vídeos realizados por la artista Marina Palacio, la muestra ofrece un testimonio vivo, diverso y comprometido del conocimiento cultivado por mujeres vascas. Las imágenes tienen su origen en los calendarios de Jakiunde de los años 2022 y 2023.


La directora del Real Jardín Botánico, María-Paz Martín, ha agradecido a Jaikunde que haya pensado en este instituto científico del CSIC para presentar en Madrid su exposición en el año en el que celebra el 270º aniversario de su creación. “El Real Jardín Botánico es una institución científica comprometida con las artes, las ciencias y la paridad de géneros que, además, valora y aprecia el trabajo que realizan las academias españolas por estos tres pilares, la ciencia, el arte y la igualdad”.


Como actividad complementaria a la exposición, durante el periodo de la muestra se celebrará un ciclo de cinco coloquios públicos donde varias de las protagonistas de la exposición abordarán grandes temas de actualidad desde una perspectiva plural e interdisciplinar. Estos encuentros tendrán lugar cada mes, a las 19:00 horas, en el Salón de Actos del RJB, con entrada libre hasta completar el aforo de la sala.


El primer coloquio tendrá lugar el 11 de septiembre y tratará sobre el papel de las matemáticas en la genética. Bajo el título Las Matemáticas en Genética: instrumento de interpretación y motor de avance.

El segundo coloquio, el 23 de octubre, estará dedicado a la creación musical con el título Componer e interpretar música: identidad y función. Participarán la soprano María Bayo y la compositora Teresa Catalán.


El 13 de noviembre se celebrará una sesión centrada en la innovación en materiales, bajo el título (R)evolución científica y tecnológica de los polímeros y su contribución al sector agroalimentario.

El 11 de diciembre, el coloquio De los hongos al pan: un diálogo entre micología y (arqueo)botánica abordará el conocimiento milenario de la naturaleza desde distintas perspectivas científicas.

Finalmente, el 8 de enero de 2026, se cerrará el ciclo con el debate ¿La inteligencia artificial hace realmente nuestra vida más fácil?

Fotografías de sala © Conchita Meléndez


lunes, 30 de junio de 2025

TERRAFILIA. EL AMOR POR LA TIERRA

 


Así lo ha traducido Daniela Zyman, la comisaria de la exposición que se ha presentado esta mañana en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en colaboración con la Fundación TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary y que lleva por título  Terrafilia. Más allá de lo humano en las colecciones Thyssen-Bornemisza.


Terrafilia, un término que combina Terra (Tierra) con filia (amor y amistad), expresa una conexión profunda de afecto, cuidado y responsabilidad hacia la Tierra y sus innumerables habitantes. Amar la Tierra implica comprometerse con los animales, las plantas, las formaciones geológicas y las criaturas sobrenaturales, así como replantear el lugar de la humanidad dentro de la compleja y enmarañada red de la vida. Ante las crecientes presiones del calentamiento global, la pérdida de biodiversidad y las desigualdades crecientes, esta exposición recurre al arte para imaginar y orientar a los visitantes hacia formas transformadoras de ser-en-el-mundo, movilizando la afinidad entre especies, nuevos tipos de colectividades y el cuidado planetario.



Las 90 obras que componen la muestra presentan un evocador espectro de exploraciones artísticas e intelectuales, revelando la profundidad y el alcance de historias más allá de lo humano e imaginarios multi-especies. Resistiendo el dualismo arraigado de la cosmología moderna, basado en la separación entre lo social y lo natural, la exposición invita a los visitantes, a través de la lente de artistas de diversas generaciones y tradiciones, a encontrarse con el mundo como un pluriverso: un mundo de muchos mundos. Terrafilia también marca un decisivo alejamiento de perspectivas antropocéntricas y occidentalocéntricas, abrazando una política planetaria emergente. Al hacerlo, se alinea con recientes giros filosóficos, antropológicos, éticos y legales que abogan por el reconocimiento de la vida no humana y de entidades biológicas y geológicas como participantes de una multitud planetaria.



Estructurada en seis “escenarios” interconectados, la exposición aborda temas como los cosmogramas, mundos animados, el arte de los sueños, objetividad, relaciones con la tierra, tiempos míticos y cosmogonías oceánicas. Estas corrientes temáticas guían a los visitantes a través de diferentes maneras de relacionarse con la Tierra —por medio del mito, la ciencia, los sueños, las historias, la espiritualidad y la ecología— mientras interrogan de forma crítica las historias de expansión colonial, extracción de recursos y violencia ecológica que han dado forma a la actual crisis planetaria.



Con casi un centenar de obras pertenecientes a la colección del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, la Colección Carmen Thyssen y la colección de arte contemporáneo TBA21 de Francesca Thyssen, la muestra supone un hito donde, por primera vez, cuatro generaciones de una misma familia coleccionista se presentan dentro de una narrativa curatorial unificada.


La muestra podrá visitarse en la sala de exposiciones temporales de la planta baja del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 1 de julio al 24 de septiembre de 2025. Y supone un primer paso en la evolución de un museo generalmente tradicional hacia una mirada más contemporánea, pues aunque desde hace siete años el Thyssen-Bornemisza ha estado exhibiendo algunas de las obras de la familia en varias de las salas del museo, en contraposición con las obras de la exposición permanente, es la primer vez que se realiza una exposición completa como está, en la que no solo seduce el contenido sino que podemos ver un montaje innovador en el que las obras resaltan especialmente. 



Entre los autores que se encuentran presentes en la exposición podremos ver obras de Eduardo Navarro, Max Ernst, Wassily Kandinsky, Asunción Molinos Horno, Etel Adnan, Martin Johnson Heade, Georges Braque, Sarah Lucas, Edgar Degas, Waléry (Lucien Charles Auguste Varsavaux), Franz Marc, Auguste Rodin, Hervé Yamguen o Daniel Otero Torres entre otros. 

Fotografías de sala © Conchita Meléndez






martes, 27 de mayo de 2025

LA REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO CELEBRA EL CENTENARIO DEL NACIMIENTO DE GUSTAVO TORNER

 

Pocas veces se da el hecho de poder celebrar el centenario del nacimiento de un artista en vida de éste. Gustavo Torner nació en Cuenca, e13 de julio de 1925 y leyó su discurso de entrada como miembro de la Academia el 24 de enero de 1993. Hoy La Academia de Bellas artes de San Fernando le rinde un homenaje al inaugurar una exposición  comisariada por Arturo Sagastibelza, e integrada por destacadas pinturas de gran formato de la etapa de madurez del artista, procedentes —excepto la que forma parte de la colección del propio Museo de la Academia— de colecciones particulares que las han cedido para esta ocasión única, y por tanto con el valor añadido de ser en gran medida inéditas.


En total la muestra reúne 13 pinturas, la mayoría de ellas inéditas y en el caso de las que no lo son fueron expuestas hace muchos años, que configuran una buena representación de esa síntesis de culturas, civilizaciones y tiempos -a la par que de recursos, técnicas y procedimientos- que caracteriza la obra de Torner; un excelente testimonio de la densidad y riqueza de ese momento esplendoroso de su pintura.


Gustavo Torner es una figura clave del arte español, perteneciente a la llamada segunda generación abstracta o generación de los años cincuenta del pasado siglo. Su obra, muy diversa y difícil de clasificar, se adscribe por lo general a la vertiente más lírica, construida e intelectual del arte, alejada de esa otra línea expresionista de «veta brava» representada por el grupo El Paso.



Artista autodidacta, junto con Gerardo Rueda y Fernando Zóbel forma la llamada "escuela conquense", la cual constituyó una de las primeras iniciativas de introducir en España las nuevas corrientes del arte moderno, en la década de 1960, siendo la fundación del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca -museo del que es cofundador- su principal iniciativa.

Torner es un artistas polivalente que ha realizado esculturas, dibujos, museografías, diseño gráfico, mobiliario, diseño de tiendas como por ejemplo las de Loewe, carteles e incluso diseño la puerta del garaje de la Academia, después de haber donado a la misma una de sus esculturas. En esta ocasión, dada la imposibilidad de abarcar toda su obra se ha decidido exponer solo una muestra de su obra pictórica perteneciente a su etapa de madurez. En el año 2002 el artista había donado también a la Academia una obra pictórica perteneciente a esa etapa por eso se ha decidido arropar dicha obra con una docena de obras pertenecientes a colecciones particulares madrileñas que tienen el valor añadido de que más de la mitad nunca han sido expuestas. 

Victor Nieto Alcaide, Maria José Barrero García, Tomás Marco, Alfredo Pérez de Armiñán y Arturo Sagastibelza

Lo que podemos ver en esta exposición son grandes obras y grandes polípticos complejos, muy llamativos de color,  muy exuberantes de composición. Porque como afirmaba el artista en su discurso de entrada a la Academia, ‘El arte no existe, lo que existe son las obras de arte. El arte, para existir, para manifestarse, necesita “encarnarse”. Necesita un objeto físico que lo soporte. Y las obras de arte son ante todo, o al menos primariamente, objetos físicos.’

Fotografías ©Conchita Meléndez



sábado, 28 de septiembre de 2024

EL MUSEO REINA SOFÍA OFRECE UNA GRAN RETROSPECTIVA DE LA ARTISTA SOLEDAD SEVILLA

 


La retrospectiva Soledad Sevilla. Ritmos, tramas, variables, abierta al público desde el 25 de septiembre de 2024 hasta el 10 de marzo de 2025, reúne más de un centenar de obras que recorren toda la trayectoria de la artista. Abarca desde sus comienzos, a finales de los años 60, ligados al Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid (UCM), hasta la actualidad, con una serie de trabajos muy recientes, algunos de ellos realizados específicamente para esta muestra, relacionados con sus orígenes y su admiración por su referente, Eusebio Sempere.


La muestra se despliega a través de 10 salas del edificio Nouvel por las que se realiza un recorrido cronológico, comenzando con sus primeras obras geométricas de finales de los años 60 y terminando con sus últimas creaciones de 2023 y 2024 en las que retorna a sus orígenes. Según la comisaria de la muestra, Isabel Tejeda, la exposición se aborda como un relato circular: «He intentado generar un relato que atravesara todas las piezas, conectando las últimas con las primeras, el módulo, la línea, la geometría de Soledad Sevilla que yo considero no fría sino emocional. Porque se trata de una artista que busca crear un vínculo emocional con la obra como el propio Sempere, Yturralde, Agnes Martín o Rothko».


Soledad Sevilla (Valencia, 1944) ha desarrollado a lo largo de sus 60 años de carrera un lenguaje basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas a partir de módulos geométricos. La trama, la línea, los ritmos y las variaciones son elementos constantes en todas sus etapas, conforman el cuadro que, según ella misma dice, siempre está pintando: «Es una teoría que compartimos muchos artistas, que estamos pintando siempre el mismo cuadro, y aunque podría parecer que son diferentes etapas unas y otras, es una unidad que se repite». Junto con el gran formato, que desarrolla a partir de los años 70, la expresión de las emociones a través de la luz y la oscuridad son también señas de identidad del trabajo de esta artista premio Velázquez en 2020.



La retrospectiva, comisariada por la catedrática de Bellas Artes de la Universidad de Murcia e historiadora del arte, Isabel Tejeda, incluye, además de sus trabajos más recientes, 11 obras pertenecientes al Museo Reina Sofía. El resto proceden de préstamos privados y de organismos e instituciones públicas, entre los que destaca, entre otros, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo o Patrimonio Nacional.

Soledad Sevilla e Isabel Tejeda

Fotografías: © Conchita Meléndez