DISEÑO CONTEMPORÁNEO, UN OASIS URBANO, ARQUITECTURA DE LA LUZ Y 25 AÑOS DE UNA PUBLICACIÓN MÍTICA EN EL FERNÁN GÓMEZ

La sala de exposiciones del Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acogerá, hasta el 13 de marzo, las muestras de la quinta edición de Madrid Design Festival. Cuatro exposiciones que abordan disciplinas muy diversas del diseño, desde la iluminación, al diseño gráfico y que ponen el diseño en conversación con otros lenguajes como el arte.

El aniversario de la revista Matador, a través de los artistas que han participado en sus páginas en estos 25 años; el estreno en exclusiva en Madrid de la última instalación de Izaskun Chinchilla para Finsa; diálogos de diseño contemporáneo y una instalación de luz de la mano de Antoni Arola y Simon, conforman la programación de este año.

Matador 25 años. Viaje al corazón de una revista mítica.

Matador es un proyecto único. Una revista que lanza una mirada nueva sobre la cultura contemporánea. Cada año se publica un solo volumen, y cada volumen se numera con una letra del abecedario español. En total 28 números, de la A a la Z, que nació en 1995. En cada uno de los números, fotógrafos, artistas, editores, diseñadores, escritores y creadores se unen con la ambición de lograr una revista de calidad. Estos artistas emprenden en cada número una aventura creativa especialmente concebida para la revista. Los contenidos junto con el formato, el papel, la impresión y el diseño convierten a Matador en un objeto de arte que ha obtenido numerosos premios en diferentes países. 

Esta exposición celebra el 25 aniversario de la revista, reuniendo una selección de los autores más destacados que han participado en sus números. Dibujos originales de Eduardo Chillida de los años 50; la serie de Marina Abramovic Homenaje a Santa Teresa; fotografías de Chema Madoz, Alberto García-Alix, Ramón Masats, Cristina García Rodero o Rodney Graham; esculturas de Juan Muñoz, diseños de Jaime Hayón y Patricia Urquiola o acuarelas de Miquel Barceló, entre otros, que junto con la reproducción de reportajes y textos darán una visión global de lo que estos 25 años han supuesto en el mundo de la cultura, plasmados en las páginas de la revista. Esta exposición cuenta  con la colaboración de la denominación de origen calificada Rioja.

 

Completa la exposición un espacio en que Swatch, patrocinador general de Madrid Design Festival y una marca vinculada a la creación artística y a Matador desde sus inicios hace un recorrido por estos 25 años a través de 25 relojes icónicos creados en colaboración con grandes artistas y diseñadores. Además, han creado una edición limitada Matador 25 Años, realizada a partir de la obra Periscopio, de Luis Gordillo, también presente en la muestra. 

 Connective Nature by FINSA

Por su parte, Izaskun Chinchilla, de la mano de Finsa crea exprofeso para el Festival, Connective nature, un auténtico oasis urbano en una instalación inmersiva que invita al público a repensar el modelo de ciudad. Un espacio poblado de sombras y siluetas que remite a los bosques, y que reproduce los sonidos propios de estos entornos naturales. La naturaleza nos ha demostrado su capacidad para reconectarnos con nuestra esencia y ayudarnos a reflexionar sobre nuestro lugar en el mundo, tanto a nivel individual como colectivamente. Volver a toca, mirar, oler… guían este itinerario para recuperar la conexión con las raíces, que permita hacer una pausa en el ritmo frenético de las ciudades. 

 

Connective Nature invita a los participantes a compartir esas experiencias online propiciando la conexión con una comunidad con la que compartir gustos y memorias afines y que produzcan nuevos vínculos. Para ellos, cada experiencia contará con una etiqueta indicada en sala y se propondrá al visitante utilizarla cuando comparta sus experiencias en redes sociales contribuyendo a la construcción de una pequeña comunidad.

Izaskun Chinchilla

Inferencias. Nexos en el diseño contemporáneo

Madrid Design y la galería il-lacions presentan esta muestra, una invitación a descubrir el diseño contemporáneo a través de un proceso interpretativo que pone en relación a creadores locales con referentes internacionales. La exposición muestra el trabajo de una selección de autores vinculados al proyecto il-lacions, que actúan a su vez como cocomisarios al invitar a exponer a creadores internacionales que son fuente de inspiración. De este ejercicio creativo, se han derivado conclusiones en torno al diseño materializadas en proyectos únicos, no presentados hasta la fecha.

El resultado es un enriquecimiento mutuo que cuenta con más de cincuenta autores entre los que se encuentran: Max Enrich, Sanna Völker, Roger Coll Krasznai, Turbina o Jordi Riabudí unidos a nombres internacionales como Rapahel Kadid de Basel o Frank Chou de Shanghái.

Il-lacions es una galería de Barcelona dedicada exclusivamente al diseño del siglo XXI. 

Fiat Lux.3. Arquitectura de la luz

La iluminación lleva a las propuestas de Madrid Design Festival de la mano de Simon y el diseñador Antoni Arola en Fiat Lux 3. Esta muestra inmersiva busca despertar los sentidos y la conciencia con la voluntad de hacer sentir al visitante como parte de una ilusión. El diseñador crea arquitectura a partir de la luz, elemento que emplea como material constructivo en un espacio pensado para que el visitante contemple las escenas e interactúe con los elementos físicos y volúmenes que aparecen y desparecen.

Arquitectura creada a partir de la luz. Luz como material constructivo. Espacios inexistentes aparecen de la nada, mutan se mezcla de sensibilidades visuales sonoras, espirituales y nos acercamos, poco a poco a lo intangible. La instalación invita a realizar un recorrido libre por el espacio tanto para contemplar las escenas como para interactuar activamente con los elementos físicos y volúmenes que aparecen y desaparecen. Para todos estos espacios se mantiene una firme apuesta por el diseño y la innovación que ha conducido a Simon al Premio Nacional de Diseño que concede el Ministerio de Economía, Industria y Competitividad. Simon es la cabecera de un grupo industrial especializado en soluciones tecnológicas de iluminación, control de luz, conectividad y material eléctrico para proyectos contract y residenciales.

Estas cuatro muestras se podrán ver en la Sala de Exposiciones del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa del 15 de febrero al 13 de marzo de 2022.

Imágenes: © Conchita Meléndez

EL MUSEO ICO PRESENTA LA ARQUITECTURA SOSTENIBLE DE ANNA HERINGER

 

Anna Heringer © C. Meléndez

El Museo ICO ha presentado en su sala de exposiciones Anna Heringer. La belleza esencial, la primera exposición monográfica sobre la arquitecta alemana que tiene lugar en España. La muestra, organizada por la Fundación ICO y comisariada por Luis Fernández-Galiano, podrá visitarse del 9 de febrero al 8 de mayo de 2022.

Anna Heringer (Rosenheim, Alemania, 1977), arquitecta visionaria y multipremiada, con obra en tres continentes, apuesta por el uso de materiales y técnicas locales para ofrecer un futuro mejor. Su trabajo se basa en la exploración y uso de la arquitectura como un medio para apoyar las economías locales y fomentar el equilibrio ecológico. Para ella: “Sostenibilidad es sinónimo de belleza, y lo que define el valor estético y sostenible de un edificio es que se encuentre en armonía con su diseño, estructura, técnica y uso de materiales, así como en relación con su ubicación, con el entorno, con el usuario y con el contexto sociocultural”.

Escuela METI, Rudrapur (Bangladesh), 2006 © Peter Bauerdick

La visita propone un recorrido por la obra y la filosofía de Anna Heringer, profundamente interesada en el desarrollo sostenible de nuestra sociedad y del entorno construido. Focaliza su trabajo en el uso de materiales y técnicas locales para crear edificios característicos del lugar donde se ubican. Estos conceptos quedan reflejados en la exposición; además la presentación  de los proyectos se apoya en los textiles realizados por mujeres de Bangladés que reproducen las plantas y los alzados de sus edificios. La muestra se completa con textos (como el Manifiesto de Laufen, impulsado por la propia arquitecta), fotografías, dibujos y maquetas que trazan un recorrido a través de los principales proyectos realizados por Anna Heringer desde 2006. 

© C. Meléndez

En todos sus trabajos aplica una de las más importantes lecciones aprendidas en Rudrapur, la aldea rural de Bangladés donde construyó su primer proyecto -la Escuela rural METI, premio Aga Khan 2007- y donde, en la actualidad, continúa trabajando y colaborando en iniciativas para el progreso local: que la estrategia de desarrollo más exitosa consiste en confiar en los recursos existentes y fácilmente disponibles y en aprovecharlos al máximo, en lugar de depender de sistemas externos. 

Casa de huéspedes RosAna, Rosenheim (Alemania), 2015 © Gabrical

Anna Heringer © C. Meléndez

Esto la lleva a implicar a las comunidades locales en la construcción de todos sus proyectos, no solo como forma de garantizar que den respuesta a las necesidades para las que fueron planteados, sino también como medio de proveer una formación en técnicas tradicionales de construcción que permita un futuro desarrollo personal y profesional de sus miembros. 

Edificio Anandaloy, Rudrapur (Bangladesh), 2018-2020 © Kurt Hoerbst

La exposición incluye un espacio donde pueden adquirirse diferentes productos tejidos por mujeres de Rudrapur (Bangladés) gracias al apoyo ofrecido por “Dipdii Textiles”, una iniciativa colectiva de Anna Heringer, Veronika Lena Lang y DIPSHIKHA –sociedad para la educación, la formación y la investigación no formales para el desarrollo de las aldeas en Bangladés–. Los beneficios íntegros de la venta de estos productos serán destinados a “Dipdii Textiles” para la continuación de su actividad.

PRESENCIO & THE RURAL KIDS DE VIRGINIA VILLACISLA EN LA REAL SOCIEDAD FOTOGRÁFICA

 

La Real Sociedad Fotográfica inaugura el próximo martes 08 de febrero a las 19:30h la exposición individual de Virginia Villacisla " Presencio & The Rural Kids", que permanecerá abierta desde el martes 08 de febrero hasta el 05 de marzo en su galería, situada en Lavapiés en la calle Tres Peces 2, en pleno centro de Madrid, cumpliendo normativa Covid19 de uso de mascarilla en eventos en interior.

“Presencio & The Rural Kids” 

Mis proyectos personales parten de mi realidad inmediata. Así, Presencio & The Rural Kids es un registro de la forma de habitar e interactuar de mis coetáneos con los espacios rurales heredados de nuestros padres.

Presencio es el nombre del pueblo en el que nació mi madre (Burgos, 200 habitantes). En castellano Presencio también es primera persona del singular del verbo presenciar.

Presencio significa veranos sin ley, amores de verbena, botellones en la tómbola… Es el modo en que los jóvenes, antes de convertirse en adultos con responsabilidades, interactúan con los espacios rurales heredados. Lo salvaje, lo instintivo, el frenesí, la libertad… Pero, sobre todo, significa crecer en comunidad en un lugar parado en el tiempo. Un lugar sin futuro pero que, extrañamente ofrece cierta seguridad — porque siempre ha estado y estará allí.  (Virginia Villacisla)

Virginia Villacisla nace en Burgos en 1994. En 2017 se gradúa en el Máster Internacional de Fotografía Contemporánea y Proyectos Personales de la Escuela EFTI (Madrid). Sus proyectos fotográficos parten de su realidad inmediata. Así, desarrolla Presencio & The Rural Kids, que ahonda en la identidad y la memoria asociada a los espacios rurales en los que se ha criado. Con este proyecto ha sido finalista en el festival On Photo Soria (2019), invitado a formar parte de la residencia IX Encontro de Artistas Novos: #EAN9 en Santiago de Compostela, ganado la beca Canon Student Program 2019 para asistir al Festival Visa Pour L’Image en Perpignan (Francia), ganado el XX Premio de Fotografía Universidad de Murcia a la Producción Expositiva 2021 y formado parte del festival EMERGENTES 2021 de BFoto en Barbastro (Huesca). A su vez, ha sido publicado en la revista EXIT #81 en la sección Portfolio, en la revista Salvaje #9 y en la sección de opinión de El País.

La exposición está comisariada por Angélica Suela de Llave. La Fundación Caja de Burgos colabora en la producción de la obra. 

Horario de visita:

Lunes a viernes:  de 18:00 a 21:00 h

Sábados:                 de 11:00 a 14:00 h

Domingos y festivos cerrado

Sala de Exposiciones de la Real Sociedad Fotográfica

C/ Tres Peces nº 2, 28012 Madrid

Todas las imágenes son propiedad de © Virgina Villacisla

EXPOSICIÓN DEL CONCURSO INTERNACIONAL DE FOTOPERIODISMO ANDREI STENIN

El Museo de Historia de Madrid acoge la muestra The Andrei Stenin International Press Photo Contest que podrá verse en la planta baja de sus instalaciones del martes 1 de febrero de 2022 al domingo 20 de febrero de 2022. 

El Concurso Internacional de Fotoperiodismo Andréi Stenin, que está dirigido por Rossiya Segodnya bajo los auspicios de la Comisión de la Federación Rusa para la UNESCO,  busca respaldar a los fotógrafos jóvenes y atraer la atención pública hacia las tareas del fotoperiodismo actual. Los participantes optan a los premios en cuatro categorías: “Noticias Principales”, “Deporte”, “Mi planeta” y “Retrato: un héroe de nuestro tiempo”, trayéndonos la verdad de lo que pasa en el mundo y convirtiéndonos en testigos de los acontecimientos del entorno cercano.

El concurso lleva el nombre del fotoperiodista de Rossiya Segodnya, Andrei Stenin, quien murió en el este de Ucrania en agosto de 2014. Andrei recibió póstumamente la Orden del Valor por su valentía y heroísmo durante el desempeño de sus funciones profesionales.

El concurso está abierto a participantes de entre 18 y 33 años. Su objetivo es apoyar a los jóvenes fotógrafos en su lucha por la excelencia profesional. El jurado está compuesto por miembros destacados de las comunidades fotográficas rusas e internacionales. El concurso consta de dos etapas: publicación de las obras en la web y votación del jurado. Los ganadores se seleccionan en dos nominaciones, imagen fotográfica única y una serie de imágenes fotográficas. El Gran Premio se otorga a la obra más destacada seleccionada por el jurado.

Los eventos importantes en la vida de las personas y las naciones en su conjunto son el tema principal de las inscripciones en el concurso, principalmente eventos políticos y sociales, informes de zonas de guerra y lugares azotados por desastres naturales, así como momentos decisivos en la vida de las personas. El COVID y sus consecuencias ha sido uno de los temas más recurrente durante el año precedente y el fotógrafo indonesio Joshua Irwandi ha obtenido el primer premio por su trabajo The human cost of COVID-19, con una fotografía del cuerpo de un paciente hospitalizado que falleció por la enfermedad y que fue publicada en National Geographic. El segundo premio ha sido para el fotógrafo griego Aggelos Barai, por su trabajo sobre el caos ocurrida en la isla griega de Lesbos tras el asesinato de un joven refugiado de 20 años. El fotógrafo indú Rajat Gupta ha obtenido el tercer premio por la imagen sobre la inundación del glaciar Uttarakhand en el distrito de Chamoli, en la que al menos 70 personas perdieron la vida y cerca de 130 permanecen desaparecidas.

En la categoría de series han sido premiados Chandan Khanna de India, Alexander Yermochenko de Ukrania y Luis Antonio Rojas de Mexico. El Gran Premio ha ido a parar a las manos de la fotógrafa Sebnem Coskun de Turquía. 

El jurado ha entregado también otros premios en distintas categorías, así como una serie de menciones honoríficas. 

“ANDY WARHOL SUPER POP” LA EXPOSICIÓN

 

Próximamente podrá visitarse en Madrid una de las exposiciones más esperadas porque ¿quién no conoce al llamado por algunos padre del POP ART?

“ANDY WARHOL Super Pop”, Ha sido producida y organizada por Next Exhibition en colaboración con Art Motors y comisariada por Edoardo Falcioni con el apoyo de la Cámara de Comercio Italiana y se mostrará al público a partir del 12 de febrero en el Palacio de Santa Bárbara de la calle Hortaleza, 87.

“Andy Warhol. Super Pop” es un fascinante viaje por la América de los años 50, 60 y 70 que permite descubrir a un artista icónico que ha marcado a las generaciones  de artistas, comisarios, cineastas y diseñadores posteriores hasta nuestros días. Sus icónicas imágenes marcan un antes y un después en la cultura del siglo XX. 

Fotógrafo, pintor, director de cine, actor y escultor. Andy Warhol exploró todos los medios de expresión a su alcance para posicionarse como el padre del pop art. Pero el artista fue mucho más que eso: en aproximadamente cuarenta años de carrera artística supo innovar a través de una producción en la que se conjugan el marketing, la historia del arte, la moda, la música, el diseño gráfico y el mundo del cine, de la fotografía y el entretenimiento.

La exposición, que estamos deseando ver,  hace un recorrido histórico y profesional del artista en relación con los numerosos sectores en los que trabajó.

Sus trabajos exploran la cultura popular, y la relación de la expresión artística con el crecimiento de fenómenos como la publicidad y las celebridades; Warhol se expresa a través de la serigrafía, la fotografía y el cine. Algunas de sus obras más icónicas fueron sus impresiones serigráficas de Marilyn Monroe, Marilyn Diptych y Campbell 's Soup Cans.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el 5 de junio y las entradas ya están a la venta  en su página web: https://andywarholmadrid.es/horarios-y-entradas/

Con los siguientes precios:

General: 16.50 €

Reducida (personas mayores de 65, niños entre 6 y 12 años, estudiantes y profesores con tarjeta, personas con discapacidad): 14.50 €

Grupo (entre 8 y 35 personas): 12 €

Escuelas (entre 10 y 35 alumnos): 8 €

Entrada gratuita para niños hasta 6 años y acompañantes de personas con movilidad reducida.

UNA MUESTRA ACTUALIZA LA FIGURA DEL ESCULTOR ÁNGEL FERRANT

 

Angel Ferrant - Museo Herreriano de Valladolid

El próximo jueves 3 de febrero se inaugura en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca una pequeña muestra sobre el escultor de vanguardia Ángel Ferrant (1890-1961), cuya trayectoria le llevó a París, Berlín y Viena y a crear no solo a través de la escultura, sino también del dibujo, los escritos teóricos y la práctica pedagógica.  Ángel Ferrant: A escala doméstica,  es una exposición que presenta una selección de obras –siete esculturas de pequeño formato, seis relieves en barro cocido y catorce dibujos– realizadas entre 1939 y 1960 por Ángel Ferrant. La muestra, que podrá visitarse hasta el 8 de mayo, permitirá acercarse a la fascinante figura de este artista de origen madrileño que se preocupó, quizá más que ningún otro artista del siglo XX en nuestro país, por la enseñanza del arte y el lugar del arte en la educación.

Ángel Ferrant (1890-1961) es un artista difícil de clasificar. Así como no se ató a un solo lugar, sino que desarrolló su carrera entre La Coruña, Barcelona y Madrid, su producción no encaja en las narrativas habituales de la historia del arte de las décadas centrales del siglo XX. Su carrera tampoco se ciñó a una única disciplina, sino que describió una trayectoria zigzagueante entre la escultura, el dibujo y los escritos teóricos que esta exposición ha buscado retratar. Involucrado de forma activa en la renovación de la escultura de vanguardia, concibió el arte como origen o comienzo permanente, entendiendo que el oficio del artista consistía en fomentar la educación estética y la imaginación del público.

La preferencia de Ángel Ferrant por los formatos pequeños responde a su concepción de la relación entre la obra de arte y el espectador, con esculturas articuladas que invitan a mover, jugar y manipular y con las que se adelantó a propuestas más conocidas y consideradas como pioneras. De ahí que la exposición de carácter íntimo que inaugura este jueves el Museo de Arte Abstracto Español busque encajar sus piezas en la sala del museo con la misma naturalidad con la que determinados objetos ocupan los espacios domésticos. 

La muestra busca también reivindicar la figura de Ángel Ferrant, tanto en su faceta como artista de vanguardia como por su labor pionera en el ámbito de la educación artística. Es por ello que en esta exposición, las esculturas y dibujos de Ferrant, procedentes de dos colecciones privadas, se exhiben junto con fotografías, carteles, bocetos y libros que ayudan a entender su figura en el contexto artístico de su tiempo: su contacto con otros creadores, sus publicaciones y su trabajo como diseñador. El material de archivo procede del Archivo Lafuente en Santander y del Museo Patio Herreriano de Valladolid, que custodia la mayor parte del legado de Ferrant.

Francesc Catalá Roca - Archivo la Fuente

La exposición va acompañada de un catálogo con un ensayo de Olga Fernández López, especialista en Ferrant y profesora de la Universidad Autónoma de Madrid, que describe al artista como “un agente cultural incansable”. En sus páginas se incluyen las transcripciones de dos entrevistas –una de ellas inédita– a Ferrant de 1951 (una emitida en Radio Nacional de España en 1951 y la otra publicada en la revista peruana Mundo de Lima) y de su aparición en el programa de Televisión Española Imagen de una vida en 1958. El elenco de textos se cierra con una reedición de un artículo publicado por Ferrant en la revista mexicana Arquitectura en 1960.

VIDA Y OBRA DE FRIDA KALO, EXPOSICIÓN

La exposición sonora y visual Vida y Obra de Frida Kahlo, diseñada, producida y promovida por ACCIONA desde su área de gestión y producción cultural ACCIONA Ingeniería Cultural, se ha inaugurado hoy jueves, 2 de diciembre, en un espacio expositivo creado ad hoc para esta muestra en el madrileño barrio de Delicias (Teatro Instante, C/Palos de la Frontera 20).

Vida y Obra de Frida Kahlo ofrece al visitante una experiencia a medio camino entre el cine, el espectáculo audiovisual a gran escala y la museística tradicional, que rinde homenaje a esta pintora mexicana mediante más de un centenar de obras plásticas, literarias y fotográficas. A través de 2.500 fotogramas animados pintados a mano por diversos artistas, la exposición da vida a las obras maestras de Frida Kahlo. 

Para ello, ACCIONA Ingeniería Cultural ha diseñado un espacio expositivo innovador en una antigua cochera de autobuses que cuenta con 1.129 m2 de superficie de proyección HD (incluyendo paredes y suelos) y 38 proyectores de última generación. 

La exposición ha sido comisariada por Roxana Velásquez Martínez del Campo, directora ejecutiva del Museo de Arte de San Diego, y Deidré Guevara, comisaria de la exposición Frida y yo en el Museo Georges Pompidou de Paris.

El objetivo de Vida y Obra de Frida Kahlo es acercar al gran público algunas de las obras maestras de la pintora (como sus famosos autorretratos, La venada herida o el dedicado al Doctor Eloesser) y otras menos conocidas (como El suicidio de Dorothy Hale, o Lo que el agua me dio), pero también contextualizar su figura y poner de relieve su resiliencia y fortaleza personal. 

Para ello, la exposición brinda una interpretación artística de la obra y vida de Frida Kahlo, invitando al visitante a descubrir sus múltiples facetas: como mujer, como pintora y como figura histórica.

La narración está organizada en tres grandes temáticas. La primera parte muestra a la artista en todo su esplendor, creando un paralelismo entre la obra de Frida y testimonios de sus contemporáneos para transmitir al público la relevancia de la pintora en el ambiente intelectual y artístico de su época. La segunda parte introduce su faceta más íntima. Presenta a la familia Kahlo, haciendo alusión a las raíces y amistades de la artista, y profundiza en un acontecimiento clave de su historia, el traumático accidente que la hizo renacer como pintora. La tercera parte recrea la Casa Azul, el hogar donde Frida Kahlo nació, vivió, pintó y murió. 

Las técnicas creativas y de producción empleadas para el desarrollo de la pieza audiovisual han buscado la mejor manera de reproducir y reinterpretar el estilo pictórico de la artista. En este sentido, se ha llevado a cabo una investigación gráfica de su pintura para así poder dar vida a elementos y personajes de su obra a partir de numerosos bocetos hechos a mano. Igualmente, para recrear ambientes y contextualizar acontecimientos de su vida, se han creado ilustraciones que mezclan fotos, dibujos y collages, en una interpretación simbólica y surrealista del mundo de Frida. 

En paralelo, cada escena se ha trabajado musicalmente para la creación de una banda sonora original a cargo del compositor y pianista Arturo Cardelús, nominado a un premio Goya. En la composición musical se han empleado técnicas cinematográficas con el objetivo de establecer ritmos emocionales y potenciar la narrativa visual, haciendo uso de una gran diversidad de instrumentos y efectos de sonido, que se han combinado con música tradicional europea y mexicana, en clara referencia a los orígenes de la artista. La banda sonora ha sido grabada con la Budapest Art Orchestra de la mano de su director de orquesta, Peter Pejtsik.

La visita tiene una duración estimada de una hora y un aforo máximo de 230 personas, que se ajustará en función de las condiciones sanitarias para garantizar la seguridad frente al Covid-19.