LA FUNDACIÓN ESPERANZA PERTUSA INAUGURA LA EXPOSICIÓN “ENFOCA EL CORAZÓN PARA CAMBIAR EL MUNDO”

Las Habitantes © Ana Palacios

La sala Minerva del Círculo de Bellas Artes acogerá, hasta el próximo 23 de octubre, la exposición Enfoca el Corazón para Cambiar el Mundo, como parte de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2022. La muestra reúne las obras premiadas y reconocidas en la primera edición del Premio Internacional de Fotografía Esperanza Pertusa. Un premio que quiere reconocer el valor del trabajo de tantos artistas de la fotografía que nos invitan a conocer, a reflexionar y a sentir otras realidades. Un premio que nace de la idea de que el primer acto para transformar la realidad es verla, es mantener la mirada.

 

Estas fotografías han sido realizadas por artistas con una temática concreta, para abordar problemáticas sociales como la pobreza, la exclusión social o la igualdad de género. Las obras seleccionadas pretenden despertar conciencias e inspirar una transformación social positiva, que impulse una llamada a la acción y nos empuje a realizar un cambio real en beneficio de las personas.

Las Habitantes © Ana Palacios

La muestra incluye los trabajos de: Ana Palacios, ganadora del Premio Internacional de Fotografía Esperanza Pertusa don su trabajo Las Habitantes,  Ana Álvarez-Errecalde, Ana Valiño, Arturo López, Benedict Bowler, Fernando Iglesias, Javier Fernández, Jesús Aguilar, Nour Eddine y Pedro Londoño.

 

La exposición ha sido posible gracias a la colaboración de la concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche, del Círculo de Bellas Artes y del festival PHotoESPAÑA.

© C. Meléndez

La presentación ha contado con la presencia de Valerio Rocco, Director del Círculo de Bellas Artes, Margarita Antón, Concejala de Cultura del Ayuntamiento de Elche, Esperanza Navarro, en representación de su madre Esperanza Pertusa, María Pallás, Coordinadora General de PhotoEspaña y las fotógrafas Ana Palacios y Ana Valiño, entre otros. 

25 PREMIO INTERNACIONAL LUIS VALTUEÑA

 

Médicos del Mundo organiza, un año más, el 25º Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña. La muestra se podrá visitar desde el 25 de marzo hasta el 25 de mayo en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando que vuelve a acoger las obras de este veterano premio de fotografía. 

La exposición de la 25ª edición del Premio es itinerante, pero toma como punto de partida la Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, antes de viajar a distintos lugares del país. La muestra presenta un total de 40 fotografías, divididas en cuatro series correspondientes al ganador y tres finalistas.

El ganador de esta edición es el fotógrafo polaco Jędrzej Nowicki, por su serie Las cicatrices, un reportaje que narra las heridas físicas y psicológicas de las cientos de personas que participaron en las protestas ciudadanas ante el régimen de Lukashenko en Bielorrusia. Con este trabajo, Nowicki ya apuntaba con su cámara hacia un lugar donde hoy se dirigen todas las miradas. El interés del fotógrafo por seguir documentando lo que ocurre en esa región del mundo le ha llevado hasta Ucrania para cubrir el conflicto armado.

© Jedrzet Nowiki

© Jedrzet Nowiki

© Jedrzet Nowiki

Jedrzet Nowiki es un fotógrafo documental nacido en 1995 en una Polonia recién liberada del comunismo. Creció en el seno de una familia comprometida con la lucha por la libertad, lo que llevó a Nowiki a desarrollar una fascinación por el deseo humano de libertad. A los 13 años se adentró en el mundo de la fotografía, y desde los 17 ha trabajado para publicaciones polacas como la Gazeta Wyborcza, Newsweek, Polityka y Tygodnik Powszechny, así como extranjeras, entre otras Le Monde, Die Zeit, The Guardian y The Wall Street Journal. Actualmente se encuentra trabajando en Kiev, Ucrania.

Por su parte, los trabajos de los finalistas Alessandro Cinque, Alejandro Cegarra y Jérémy Lempin reflejan diversas tendencias del fotoperiodismo actual, como los estragos de la minería en comunidades bolivianas, el periplo de miles de personas en busca de refugio en América o el día a día de Peyo, un caballo que acompaña a pacientes de cuidados intensivos en un hospital francés.

© Alexxandro Cinque

© Alexxandro Cinque

© Alexxandro Cinque

Alessandro Cinque es un fotoperiodista italiano basado en Lima, que trabaja en proyectos medioambientales y sociopolíticos, que han sido publicados en diversas publicaciones, entre ellas: New York Times, National Geographic, Washington Post, Liberation, MarieClaire, Internazionale, CNN, etc.  En 2019, estudió en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York y desde el mismo año empezó a colaborar con Reuters.

Su propuesta “Perú, un estado tóxico” es un viaje de cinco años que recorre 20.000 km y 35 comunidades mineras, mostrando el impacto de un gobierno que viola los derechos de los indígenas para lucrarse y muestra las consecuencias sociales, sanitarias y medioambientales de vivir cerca de estas minas.

© Alejandro Cegarra

© Alejandro Cegarra

© Alejandro Cegarra

Alejandro Cegarra nació en 1989 en Caracas, Venezuela. Estudió Publicidad en la Universidad Alejandro Humboldt y más tarde se formó en el taller de Fotografía Roberto Mata. Trabajó en dos grandes publicaciones venezolanas, Últimas Noticias y Associated Press, y más adelante comenzó a trabajar como freelance para medios como Bloomberg, The New Yorker, The New York Times y The Washington Post. Su obra busca reflexionar sobre el sentido de pertenencia y la búsqueda de un hogar, además de ser una denuncia de la violación de derechos humanos en Venezuela y México, donde ahora reside.

Su trabajo “Los dos muros”, finalista del certamen, se centra en Estados Unidos a través de su política de negación de asilo y México como coadyuvante, quienes están construyendo nuevas capas del muro que separa ambas realidades para los más necesitados del derecho de asilo. Hoy más que nunca, los políticos de las fronteras no entienden la necesidad de huir para salvar la vida, están atrapados en una burocracia ajena a estas realidades haciéndolos cada vez más lejanos a los derechos humanos.

Jérémy Lempin

Jérémy Lempin

Jérémy Lempin

Jérémy Lempin, fotoperiodista de origen francés, nació en 1983. Su carrera como fotógrafo comenzó estando en la Marina, momento en el que documentó el día a día de los tripulantes del portaaviones Charles-de-Gaulle. Durante las operaciones militares en las que participó, fotografiaba la situación precaria de los soldados con una característica visión humana. El fotógrafo transmite historias enfocadas en valores humanos a través de sus reportajes de larga duración, y ha publicado sus trabajos en revistas como Le Figaro Magazine, Repubblica, L’Equipe Magazine, Capital, Rendez-Vous Photos, 24h01 y Le Guardian, entre otras. En 2016 dejó su puesto en el ejército para seguir su carrera como fotoperiodista.  

El proyecto por el que ha quedado finalista es “Doctor Peyo y el Señor Hassen”, en el que se muestra la actividad desarrollada por un caballo fuera de concursos y espectáculos ecuestres. Peyo trabaja con su entrenador, Hassen Bouchakou, en Les Sabots du Coeur, una organización que se dedica a la terapia asistida con animales y a la investigación científica sobre este tema. Acompaña a unos 20 pacientes al mes y los científicos estudian su capacidad para detectar instintivamente cánceres y tumores en los seres humanos, así como para explorar por qué elige acompañar a ciertos pacientes hasta su último aliento.

Médicos del Mundo España convoca desde 1997 el Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña para reconocer la labor de los y las fotoperiodistas que, a través de su trabajo, dan testimonio y denuncian las realidades de comunidades vulnerables víctimas de injusticias o violaciones de los derechos humanos en distintas partes del mundo. A través de sus fotografías salen a la luz historias olvidadas, aportan nuevos enfoques a las ya conocidas y resaltan las crónicas de superación y esperanza. Estos premios llevan el nombre de cuatro cooperantes de Médicos del Mundo asesinados cuando trabajaban en proyectos de acción humanitaria en Bosnia y Ruanda en los años 90: Luis Valtueña, Manuel Madrazo, Flors Sirera y Mercedes Navarro.

SIZIGIA DE PAKO PIMIENTA

El próximo 25 de marzo dentro del festival OjosRojos se inaugurará en Ca Lambert, en Xàbia la exposición de Pako Pimienta SIZIGIA, un trabajo duro, brutal y sincero parido desde las entrañas y con influencias de la fotografía japonesa. 

El salón de la casa de Abuela Aurora estaba lleno de fotografías de señores con bigote con cara de antiguos y señoras emperifolladas apoyadas en pedernales. Los pequeños teníamos la entrada prohibida. En verano, a la hora de la siesta, cuando el calor se hacía insoportable y todos dormitaban, conseguía escabullirme a través del dormitorio donde Padre roncaba hasta el pequeño museo. Allí fue donde caí fulminado ante el verdadero poder de la fotografía. Si tan solo una de mis fotografías pudíera hacer que sea para un espectador el comienzo de una historia, el objetivo de esta expo se habrá cumplido con creces.

En palabras del poeta leonés Felipe Zapico Alonso, “Sizigia tiene banda sonora, la del que dispara la lleva bien grabada en las venas, pero tú puedes silbar a tu antojo, aunque casi seguro que caerás en las mismas tonadas y fatalidades. Siempre que un cantante arrastre su garganta bordeando el pantano, o los solares desolados y una guitarra sincope la realidad con sus acordes, puedes tener por seguro que estás acompañando Sizigia de la banda sonora adecuada, que nunca será la misma, tampoco distinta.

Alma quebrada, lamento borroso y difuminado, anochecer teñido de madrugadas inhóspitas, ausencias, ausencias, ausencias y más ausencias, dinamita como sobremesa, trinos de aves ocultas, maullidos (como siempre jamás), desolación en la UHF en la divisoria de los días.”

Todas las imágenes pertenecen a © Pako Pimienta

EL ISTITUTO ITALIANO DI CULTURA PRESENTA ‘TRACCE/HUELLAS’

 

El Istituto Italiano di Cultura di Madrid, en colaboración con la galería Giorgio Persano y bajo los auspicios de la Embajada de Italia, inauguró el pasado 22 de febrero la exposición Tracce/Huellas. Obras de la galería Giorgio Persano 1971 -2021, que podrá visitarse hasta el 4 de junio.

El recorrido expositivo, que ocupa tres salas del Istituto, se articula empezando por una rigurosa selección de obras “múltiples” producidas por la galería Giorgio Persano en los años 70, cuando los artistas del arte povera (arte pobre) gravitaban alrededor de Turín, con un intento de democratización e inclusividad de la obra de arte.  

Pertenecen a este periodo obras de Giovanni Anselmo, Pier Paolo Calzolari, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Salvo e Gilberto Zorio. La visita continúa con obras realizadas a partir de 1975 por Mario Merz, Pier Paolo Calzolari, Marco Bagnoli, Nicola De Maria, Marco Gastini, Alfredo Romano, Nunzio, Jannis Kounellis y Michelangelo Pistoletto. Artistas de referencia del arte italiano contemporáneo, con los cuales Giorgio Persano ha colaborado de manera activa, construyendo importantes proyectos compartidos, pensados tanto para los espacios de la galería como para ámbitos institucionales italianos e internacionales.  

Al final del recorrido, representando nuevas energías y direcciones, se encuentran artistas más jóvenes: Paolo Cirio, Lina Fucà y Alessandro Sciaraffa, cuya investigación –que va de las dinámicas de la sociedad de la información al compromiso social, pasando por las intersecciones entre sonido, tecnología y naturaleza– demuestra el compromiso y la voluntad de experimentación e innovación de la galería.  

“Esta extraordinaria exposición -afirma Marialuisa Pappalardo, directora del Istituto Italiano di Cultura de Madrid- se presenta con motivo de ARCOmadrid 2022. La feria ha elegido  a la galería italiana Giorgio Persano, por su trayectoria única en el panorama artístico internacional, para celebrar su Aniversario 40 (+1). Una vez más, ARCOmadrid y el Istituto Italiano di Cultura se encuentran en la promoción del arte contemporáneo. Desde su primera edición el Istituto ha apoyado a la feria, presentando artistas italianos de distintas generaciones y movimientos, desde el arte povera o la transvanguardia hasta las últimas tendencias artísticas de hoy, favoreciendo, así, el diálogo con el mundo del arte en España”.  

Por su parte, Giorgio Persano, comisario, explica: “Agradezco a la directora Marialuisa Pappalardo haberme invitado al Istituto Italiano di Cultura a presentar la exposición Tracce/Huellas, dándome la oportunidad de recorrer algunos momentos relevantes de mi trabajo”. Y añade: “La muestra empieza en la década de los 70 con algunos ejemplos de obras ‘múltiples’ que produje con los artistas del arte povera que en aquellos años vivían en Turín. A estas obras ‘múltiples’ que no deben considerarse simples ediciones, se suman en la exposición trabajos especialmente importantes de artistas con los que he colaborado a lo largo del tiempo, realizando exposiciones tanto en mis espacios como en instituciones públicas y privadas, en Italia y en el extranjero.  

 

La exposición concluye con tres jóvenes artistas que, realizando estudios muy diferentes entre ellos, representan para mí un estímulo de investigación continua y proyección hacia el futuro. He acogido, por tanto, con entusiasmo y gratitud la invitación del Istituto, de quien admiro y estimo el gran compromiso en promover nuestra cultura en España”. 

  

DISEÑO CONTEMPORÁNEO, UN OASIS URBANO, ARQUITECTURA DE LA LUZ Y 25 AÑOS DE UNA PUBLICACIÓN MÍTICA EN EL FERNÁN GÓMEZ

La sala de exposiciones del Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acogerá, hasta el 13 de marzo, las muestras de la quinta edición de Madrid Design Festival. Cuatro exposiciones que abordan disciplinas muy diversas del diseño, desde la iluminación, al diseño gráfico y que ponen el diseño en conversación con otros lenguajes como el arte.

El aniversario de la revista Matador, a través de los artistas que han participado en sus páginas en estos 25 años; el estreno en exclusiva en Madrid de la última instalación de Izaskun Chinchilla para Finsa; diálogos de diseño contemporáneo y una instalación de luz de la mano de Antoni Arola y Simon, conforman la programación de este año.

Matador 25 años. Viaje al corazón de una revista mítica.

Matador es un proyecto único. Una revista que lanza una mirada nueva sobre la cultura contemporánea. Cada año se publica un solo volumen, y cada volumen se numera con una letra del abecedario español. En total 28 números, de la A a la Z, que nació en 1995. En cada uno de los números, fotógrafos, artistas, editores, diseñadores, escritores y creadores se unen con la ambición de lograr una revista de calidad. Estos artistas emprenden en cada número una aventura creativa especialmente concebida para la revista. Los contenidos junto con el formato, el papel, la impresión y el diseño convierten a Matador en un objeto de arte que ha obtenido numerosos premios en diferentes países. 

Esta exposición celebra el 25 aniversario de la revista, reuniendo una selección de los autores más destacados que han participado en sus números. Dibujos originales de Eduardo Chillida de los años 50; la serie de Marina Abramovic Homenaje a Santa Teresa; fotografías de Chema Madoz, Alberto García-Alix, Ramón Masats, Cristina García Rodero o Rodney Graham; esculturas de Juan Muñoz, diseños de Jaime Hayón y Patricia Urquiola o acuarelas de Miquel Barceló, entre otros, que junto con la reproducción de reportajes y textos darán una visión global de lo que estos 25 años han supuesto en el mundo de la cultura, plasmados en las páginas de la revista. Esta exposición cuenta  con la colaboración de la denominación de origen calificada Rioja.

 

Completa la exposición un espacio en que Swatch, patrocinador general de Madrid Design Festival y una marca vinculada a la creación artística y a Matador desde sus inicios hace un recorrido por estos 25 años a través de 25 relojes icónicos creados en colaboración con grandes artistas y diseñadores. Además, han creado una edición limitada Matador 25 Años, realizada a partir de la obra Periscopio, de Luis Gordillo, también presente en la muestra. 

 Connective Nature by FINSA

Por su parte, Izaskun Chinchilla, de la mano de Finsa crea exprofeso para el Festival, Connective nature, un auténtico oasis urbano en una instalación inmersiva que invita al público a repensar el modelo de ciudad. Un espacio poblado de sombras y siluetas que remite a los bosques, y que reproduce los sonidos propios de estos entornos naturales. La naturaleza nos ha demostrado su capacidad para reconectarnos con nuestra esencia y ayudarnos a reflexionar sobre nuestro lugar en el mundo, tanto a nivel individual como colectivamente. Volver a toca, mirar, oler… guían este itinerario para recuperar la conexión con las raíces, que permita hacer una pausa en el ritmo frenético de las ciudades. 

 

Connective Nature invita a los participantes a compartir esas experiencias online propiciando la conexión con una comunidad con la que compartir gustos y memorias afines y que produzcan nuevos vínculos. Para ellos, cada experiencia contará con una etiqueta indicada en sala y se propondrá al visitante utilizarla cuando comparta sus experiencias en redes sociales contribuyendo a la construcción de una pequeña comunidad.

Izaskun Chinchilla

Inferencias. Nexos en el diseño contemporáneo

Madrid Design y la galería il-lacions presentan esta muestra, una invitación a descubrir el diseño contemporáneo a través de un proceso interpretativo que pone en relación a creadores locales con referentes internacionales. La exposición muestra el trabajo de una selección de autores vinculados al proyecto il-lacions, que actúan a su vez como cocomisarios al invitar a exponer a creadores internacionales que son fuente de inspiración. De este ejercicio creativo, se han derivado conclusiones en torno al diseño materializadas en proyectos únicos, no presentados hasta la fecha.

El resultado es un enriquecimiento mutuo que cuenta con más de cincuenta autores entre los que se encuentran: Max Enrich, Sanna Völker, Roger Coll Krasznai, Turbina o Jordi Riabudí unidos a nombres internacionales como Rapahel Kadid de Basel o Frank Chou de Shanghái.

Il-lacions es una galería de Barcelona dedicada exclusivamente al diseño del siglo XXI. 

Fiat Lux.3. Arquitectura de la luz

La iluminación lleva a las propuestas de Madrid Design Festival de la mano de Simon y el diseñador Antoni Arola en Fiat Lux 3. Esta muestra inmersiva busca despertar los sentidos y la conciencia con la voluntad de hacer sentir al visitante como parte de una ilusión. El diseñador crea arquitectura a partir de la luz, elemento que emplea como material constructivo en un espacio pensado para que el visitante contemple las escenas e interactúe con los elementos físicos y volúmenes que aparecen y desparecen.

Arquitectura creada a partir de la luz. Luz como material constructivo. Espacios inexistentes aparecen de la nada, mutan se mezcla de sensibilidades visuales sonoras, espirituales y nos acercamos, poco a poco a lo intangible. La instalación invita a realizar un recorrido libre por el espacio tanto para contemplar las escenas como para interactuar activamente con los elementos físicos y volúmenes que aparecen y desaparecen. Para todos estos espacios se mantiene una firme apuesta por el diseño y la innovación que ha conducido a Simon al Premio Nacional de Diseño que concede el Ministerio de Economía, Industria y Competitividad. Simon es la cabecera de un grupo industrial especializado en soluciones tecnológicas de iluminación, control de luz, conectividad y material eléctrico para proyectos contract y residenciales.

Estas cuatro muestras se podrán ver en la Sala de Exposiciones del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa del 15 de febrero al 13 de marzo de 2022.

Imágenes: © Conchita Meléndez

EL MUSEO ICO PRESENTA LA ARQUITECTURA SOSTENIBLE DE ANNA HERINGER

 

Anna Heringer © C. Meléndez

El Museo ICO ha presentado en su sala de exposiciones Anna Heringer. La belleza esencial, la primera exposición monográfica sobre la arquitecta alemana que tiene lugar en España. La muestra, organizada por la Fundación ICO y comisariada por Luis Fernández-Galiano, podrá visitarse del 9 de febrero al 8 de mayo de 2022.

Anna Heringer (Rosenheim, Alemania, 1977), arquitecta visionaria y multipremiada, con obra en tres continentes, apuesta por el uso de materiales y técnicas locales para ofrecer un futuro mejor. Su trabajo se basa en la exploración y uso de la arquitectura como un medio para apoyar las economías locales y fomentar el equilibrio ecológico. Para ella: “Sostenibilidad es sinónimo de belleza, y lo que define el valor estético y sostenible de un edificio es que se encuentre en armonía con su diseño, estructura, técnica y uso de materiales, así como en relación con su ubicación, con el entorno, con el usuario y con el contexto sociocultural”.

Escuela METI, Rudrapur (Bangladesh), 2006 © Peter Bauerdick

La visita propone un recorrido por la obra y la filosofía de Anna Heringer, profundamente interesada en el desarrollo sostenible de nuestra sociedad y del entorno construido. Focaliza su trabajo en el uso de materiales y técnicas locales para crear edificios característicos del lugar donde se ubican. Estos conceptos quedan reflejados en la exposición; además la presentación  de los proyectos se apoya en los textiles realizados por mujeres de Bangladés que reproducen las plantas y los alzados de sus edificios. La muestra se completa con textos (como el Manifiesto de Laufen, impulsado por la propia arquitecta), fotografías, dibujos y maquetas que trazan un recorrido a través de los principales proyectos realizados por Anna Heringer desde 2006. 

© C. Meléndez

En todos sus trabajos aplica una de las más importantes lecciones aprendidas en Rudrapur, la aldea rural de Bangladés donde construyó su primer proyecto -la Escuela rural METI, premio Aga Khan 2007- y donde, en la actualidad, continúa trabajando y colaborando en iniciativas para el progreso local: que la estrategia de desarrollo más exitosa consiste en confiar en los recursos existentes y fácilmente disponibles y en aprovecharlos al máximo, en lugar de depender de sistemas externos. 

Casa de huéspedes RosAna, Rosenheim (Alemania), 2015 © Gabrical

Anna Heringer © C. Meléndez

Esto la lleva a implicar a las comunidades locales en la construcción de todos sus proyectos, no solo como forma de garantizar que den respuesta a las necesidades para las que fueron planteados, sino también como medio de proveer una formación en técnicas tradicionales de construcción que permita un futuro desarrollo personal y profesional de sus miembros. 

Edificio Anandaloy, Rudrapur (Bangladesh), 2018-2020 © Kurt Hoerbst

La exposición incluye un espacio donde pueden adquirirse diferentes productos tejidos por mujeres de Rudrapur (Bangladés) gracias al apoyo ofrecido por “Dipdii Textiles”, una iniciativa colectiva de Anna Heringer, Veronika Lena Lang y DIPSHIKHA –sociedad para la educación, la formación y la investigación no formales para el desarrollo de las aldeas en Bangladés–. Los beneficios íntegros de la venta de estos productos serán destinados a “Dipdii Textiles” para la continuación de su actividad.