lunes, 23 de septiembre de 2024
‘MATER OBLATIO’, UNA REFLEXIÓN SOBRE LA MATERNIDAD DE LA ARTISTA SOLEDAD CÓRDOBA
domingo, 22 de septiembre de 2024
LA ZARZUELA, PATRIMONIO LÍRICO DE LA HISPANIDAD
La sala de exposiciones del Teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa alberga desde el pasado viernes una exposición dedicada a la Zarzuela, una disciplina que se ha dado en llamar “género chico” pero que en realidad es uno de los pilares de la música tanto en España como en Latinoamérica, comparable por su valor artístico a cualquier otro género musical, incluida la ópera.
Ninguna música define tanto el panorama musical español como la zarzuela. Nace como espectáculo cortesano en el siglo XVII, evoluciona a lo largo del XVIII y se transforma en espectáculo de masas a mediados del siglo XIX. Este género ha sido una constante de nuestra cultura y de nuestra vida y existen pocas instituciones que, como ella, representen y caractericen la identidad nacional y la hispanidad. En cada momento estuvo cargada de significados vivenciales e históricos que ayudaron a expresarse a esa sociedad. Fue diversión, testigo, púlpito, defensor de pobres y maltrechos y surgió de la misma entraña del pueblo con un lenguaje transmisor de cierta alegría social.
Desde su nacimiento, como el ave fénix, la zarzuela ha tenido una historia de continua muerte y resurrección que ha llegado hasta hoy. Durante estos cuatro siglos y medio, más de mil compositores y otros tantos libretistas nos han legado no menos de diez mil obras.
El objeto de esta exposición es justamente narrar esta historia con más de 500 obras que demuestran la inmensa riqueza y belleza que ha atesorado y promovido el género. En ella tienen sitio, en primer lugar, los protagonistas: músicos, escritores y artistas y, en segundo, la gran variedad de géneros que se esconden bajo a palabra zarzuela. Pero también los oficios de los artesanos de la zarzuela, partituras de los grandes títulos, escenografías, trajes, cartelería, grabados, caricaturas, retratos, planos de teatros, maquetas, compañías…
La exposición La Zarzuela. Patrimonio lírico de la Hispanidad. Crónica cantada de nuestra vida parte del gran legado teatral que se conserva en el Museo Nacional de Teatro de Almagro, la SGAE, la Biblioteca Nacional, El Teatro de la Zarzuela, pero también de otros museos, bibliotecas, y archivos españoles. Esta muestra que se podrá ver en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa es una ampliación de lo que se expuso en el Museo Nacional del Teatro de Almagro en el 2023.
La exposición ha sido comisariada por Emilio Casares, Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo y titulado Superior de Conservatorio en Piano y Composición que ha contado con la colaboración del museógrafo Enrique Bonet. Estará abierta al público hasta el 12 de enero de 2025 y es de acceso libre y gratuito.
miércoles, 18 de septiembre de 2024
125 AÑOS DE FOTOGRAFÍA (1899-2024) COLECCIÓN DE LA REAL SOCIEDAD FOTOGRÁFICA
La Real Sociedad Fotográfica inaugura, mañana jueves 19 de septiembre en el Centro de Arte de Alcobendas, la exposición «125 años de fotografía. Colección de la Real Sociedad Fotográfica», programada en el marco del 125 aniversario de su fundación.
Una exposición comisariada por Oliva María Rubio con la asistencia de Enrique Sanz Ramírez y Angélica Suela de la Llave, que presenta 147 fotografías seleccionadas de entre las casi 12 000 con que cuenta los fondos de la asociación y nos muestra los diversos movimientos, estilos y técnicas que han jalonado su historia a lo largo de estos 125 años, a la vez que nos muestra los cambios sociales que se han ido produciendo durante este tiempo.
© Margarita González (2009)
Nos cuenta Oliva María Rubio, comisaria de la exposición: “La Sociedad Fotográfica de Madrid, primera de las asociaciones españolas de fotografía, se funda en el mes de febrero de 1899, en el marco de la Sección de Fotografía del Círculo de Bellas Artes. La iniciativa vino de la mano de Manuel Suárez Espada, hombre emprendedor e integrante del grupo de amantes de la fotografía que se reunía en la tienda fotográfica de Carlos Salvi. En apenas unos meses, formaban el grupo casi setenta personas.
Además del presidente, Manuel Suárez Espada, la asociación contó entre sus miembros con personas de reconocido prestigio, como el médico y científico español, Premio Nobel de Medicina en 1906, Santiago Ramón y Cajal, que fue Presidente de Honor, Luis de Ocharán, destacado personaje de la industria española del cambio de siglo, o Antonio Cánovas del Castillo, sobrino del líder político conservador. El rey Alfonso XIII, que visitó algunos de los salones que organizaban, le otorgó el grado de Real en 1907.
Desde el principio, la Sociedad Fotográfica de Madrid comenzó a organizar salones y concursos de fotografía. Será de ellos, además de exposiciones y donaciones de los propios socios, de los que se nutre la colección. Hoy en día, la Real cuenta con casi doce mil fotografías. En 1994, de la mano de la Fundación Banesto, se catalogaron 11.378 fotografías: 3.408 positivos, 207 placas estereoscópicas en papel positivo, 446 placas negativas y 7.317 placas positivas.
En 2024, se cumplen ciento veinticinco años del inicio de aquella aventura. Esta exposición quiere mostrar la riqueza de sus fondos con una selección de fotografías representativas de los diversos movimientos, estilos y técnicas que han jalonado su historia a lo largo de los años. Hay que resaltar que, durante diversos momentos de su historia, la Real Sociedad Fotográfica contó entre sus socios con los fotógrafos más relevantes de Madrid. La generosidad de muchos de ellos permite que contemos con algunas de sus obras más emblemáticas.
Fiel reflejo de los tiempos, hay que esperar a la década de los sesenta del siglo XX para encontrar fotografías de mujeres en la colección y, a 1973, para que, por primera vez, la obra de una fotógrafa, Cristina García Rodero, aparezca en el palmarés, en la XVII edición del Salón Nacional de Fotografía. En 1993, María Teresa Gutiérrez Barranco fue elegida presidenta de la sociedad.”
martes, 10 de septiembre de 2024
"BANCO PÚBLICO" UN PROYECTO DEL ARTISTA EUGENIO MERINO QUE OCULTA UNA ESCULTURA SIMBÓLICA DE FEDERICO GARCÍA LORCA
domingo, 12 de mayo de 2024
LA RUTA DEL MANTÓN DE MANILA: UN VIAJE A TRAVÉS DE TRES CULTURAS
En la confluencia de culturas, donde Asia, Hispanoamérica y España entrelazan sus historias, se encuentra un tesoro textil que narra una saga de comercio, arte y sincretismo cultural: el mantón de Manila. Este exquisito accesorio, que fusiona la elegancia asiática con la exuberancia hispanoamericana y el alma española, es el protagonista de la fascinante exposición "La Ruta del Mantón de Manila", una colaboración entre la Casa de América y la Comunidad de Madrid, que permanecerá abierta hasta el 17 de mayo en Casa de América.
La muestra despliega más de 50 piezas, desde antiguos mantones de Manila de diversos tipos y procedencias hasta cajas ornamentadas que los resguardaban, junto con artesanías mexicanas y creaciones contemporáneas de reconocidos diseñadores de moda como Antonio Alvarado y Juan Duyos. Al frente de esta travesía cultural se encuentra la estudiosa y coleccionista Verónica Durán Castello, comisaria de la exposición, cuya pasión por estos objetos ha dado vida a esta experiencia única.
La historia del mantón de Manila se remonta a los albores del comercio transpacífico, cuando en 1565, Miguel López de Legazpi lideró una expedición que descubrió la ruta marítima conocida como el "tornaviaje", conectando el archipiélago filipino con Acapulco, en México. Así nació el Galeón de Manila, una ruta comercial que se convirtió en un puente entre continentes, transportando porcelana, jade, seda y, por supuesto, los emblemáticos mantones hacia las costas americanas. Este intercambio no solo enriqueció los mercados, sino que también cultivó un diálogo cultural único entre estas regiones distantes.
El nombre del mantón, aunque evoca la capital filipina, es un reflejo de su ruta comercial, ya que estos tesoros textiles eran manufacturados en la provincia de Cantón, en China, antes de ser transportados a través de Filipinas y México hacia España. Los bordados delicados y exquisitos que adornan estos mantones fueron aclamados por su perfección, incluso comparados con obras de arte. Benito Pérez Galdós describió: Envolverse en uno es como "vestirse con un cuadro", resaltando la maestría artesanal que los define.
Más allá de su belleza estética, la exposición "La Ruta del Mantón de Manila" invita a reflexionar sobre la interconexión de culturas y la riqueza del intercambio humano. Estos mantones no son simplemente prendas, sino testigos vivos de un pasado compartido, que continúan inspirando la artesanía y la tradición en México y España. Son símbolos de unión y hermandad, bordados con hilos de historia y cultura.
En un mundo cada vez más interconectado, donde las fronteras se desdibujan y las diferencias se celebran, el mantón de Manila emerge como un emblema de diversidad y colaboración. A través de esta exposición, nos sumergimos en un viaje a través del tiempo y el espacio, explorando las múltiples facetas de una ruta que, aunque ya no se navega, sigue tejiendo vínculos invisibles entre continentes.
viernes, 29 de marzo de 2024
GOYA. EL DESPERTAR DE LA CONCIENCIA
La Real academia de Bellas Artes de San Fernando acaba de inaugurar la exposición Goya. El despertar de la conciencia, que estará abierta hasta el 23 de junio y nos muestra la evolución del pintor en un momento muy delicado de su vida, tras perder la audición y encontrar una mirada más crítica. Dividida en cuatro ejes temáticos la exposición es un viaje de la mano del pintor, en un periodo histórico saturado de cambios y transformaciones políticas, sociales e ideológicas, germen de una nueva edad en la Historia.
La exposición Goya. El despertar de la conciencia destaca el cambio de actitud de Francisco de Goya (1746-1828) hacia el mundo a través de sus creaciones gráficas y pictóricas. La muestra tiene el valor añadido de presentar restauradas y por vez primera en la historia, la totalidad de las láminas de cobre que Goya creó y empleó para la estampación de sus grabados.
Goya, a lo largo de su dilatada vida, realizó una obra inmensa con técnicas diversas como el óleo, el fresco o el grabado en la que se aprecian concepciones y formas de pintar muy distintas. En esta exposición se pueden comprobar las diferencias que existen entre sus obras iniciales y las realizadas en su madurez, hasta el punto de que parecen de artistas distintos. Así, las obras que pinta cuando viene a la corte muestran un estilo en sintonía con las orientaciones artísticas imperantes en su tiempo, y en su período de madurez es cuando Goya muestra una actitud crítica frente a la realidad que le rodea y a las normas artísticas dominantes en la pintura. En este despertar de la conciencia el pintor se aparta de los condicionantes académicos y cambia su actitud como pintor que ya no es para él solo una profesión sino un medio de expresión de su actitud vital y crítica.
Esta exposición, que se celebra después de la organizada en Milán (Goya. La rebelión de la razón), está dedicada a destacar este aspecto de la obra y la personalidad de Goya. Además, contiene un conjunto de obras que merecen una mención especial, las planchas de cobre realizadas para las series de grabados los Caprichos, los Desastres de la guerra y los Disparates (conservadas en la Academia, en la Calcografía Nacional) restauradas recientemente.
La exposición, se estructura en cuatro secciones, El pintor, la norma y la clientela; El despertar de la conciencia; Una pintura al margen del estilo y La expresividad de la razón, y está compuesta por veintiocho pinturas, seis dibujos, ciento ochenta láminas de cobre grabadas por Goya y sus correspondientes estampas, que muestran la evolución artística del pintor, sus etapas y los temas que trató, sirviendo de medio para entender a Goya en su tiempo, el continuo intercambio entre el mundo que le rodea y su quehacer artístico. Desde los encargos y ejecuciones más convencionales, pasando por la transformación ideológica propiciada por el trato con intelectuales ilustrados, hasta el Goya más maduro y libre. En su obra se aprecia el racionalismo crítico del artista ante la sociedad, la guerra, las normas sociales y artísticas establecidas.
Las matrices calcográficas de Goya, que se exponen junto a los grabados a los que dieron origen, al verse libres del baño de acero y cromo que las recubría, podrán contemplarse tal como fueron creadas por tan insigne artista, apreciándose matices que antes quedaban ocultos por el baño metálico que las recubría.
martes, 5 de marzo de 2024
STEPHANIE COMILANG. EN BUSCA DE LA VIDA
El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary presentan En busca de la vida, la primera gran exposición individual de la artista filipino-canadiense Stephanie Comilang en España. Producida por TBA21 y Sharjah Art Foundation, cuenta con la colaboración de la Fundación Ecolec.
Comilang (Toronto, 1980) define En busca de la vida como su obra más extensa y ambiciosa hasta la fecha: «Incluye multitud de historias entrecruzadas, líneas temporales y personajes, tanto humanos como no humanos, que narran distintas experiencias migratorias y las conexiones entre ellas». Se trata de una instalación audiovisual de gran formato en la que, a través de dos pantallas enfrentadas, la artista nos sumerge en una aventura visual y propone una reflexión profunda sobre la historia, la identidad y la conexión entre las distintas formas de vida en nuestro planeta. Las dos proyecciones forman una película que presenta el alcance del tráfico mundial de mercancías a través del mar en la actualidad, así como el papel que desempeñan los marineros filipinos. «Incluye multitud de historias entrecruzadas, líneas temporales y personajes, tanto humanos como no humanos, que narran distintas experiencias migratorias y las conexiones inherentes a ellas
En busca de la vida es una aventura visual y una reflexión profunda sobre la historia, la identidad y la conexión entre las distintas formas de vida en nuestro planeta. Comilang ensaya en su obra una relectura de la naturaleza, contextualizada en la explotación colonial, y también de los ritos, posibilitadores de un nuevo comienzo más allá de la crítica, capaces de iniciar nuevos procesos y comportamientos que afecten positivamente al planeta y las especies.
Comisariada por Chus Martínez, la muestra pone el foco en la migración y en la interconexión entre las fuerzas coloniales y poscoloniales con los movimientos humanos y de otras especies animales, como las mariposas monarca, capaces de recorrer miles de kilómetros y cuyas larvas depositadas en el camino continúan éste cuando la madre muere.
Junto a la película, una serie de piezas textiles realizadas en fibra de piña inundan la sala con formas del mundo natural, como las mariposas monarca o la flor de la patata, el café, la vainilla y otras especies importadas por los españoles. Los bordados recuerdan a los de los mantones de Manila, aludiendo al pasado colonial español, y el material empleado por la artista, la fibra de piña, es precisamente un tejido tradicional filipino que se empezó a producir en el archipiélago tras la introducción de esta fruta por los españoles.
Stephanie Comilang es una artista y cineasta filipino-canadiense que trabaja en Toronto y Berlín. Su obra se centra en el concepto de hogar y a menudo aborda las ideas de diáspora y migración.
La instalación podrá visitarse desde el 5 de marzo hasta el 26 de mayo de 2024.




















































