domingo, 25 de febrero de 2024
LAS ILUSTRADORAS EN EL JARDÍN BOTÁNICO, ENTRE LA BELLEZA Y LA CIENCIA
martes, 20 de febrero de 2024
CAIXAFORUM MADRID ACOGE LA MUESTRA ARTE Y NATURALEZA. UN SIGLO DE BIOMORFISMO
La Fundación La Caixa vuelve a aliarse como ya hiciera anteriormente al menos en dos ocasiones, con el Centre Pompidou para exponer la muestra Arte y Naturaleza. Un siglo de Biomorfismo.
La exposición, que se estrenó internacionalmente en CaixaForum Barcelona, propone un recorrido por el arte del siglo XX e inicios del XXI a través de un fructífero diálogo entre distintos lenguajes creativos en torno al arte y a la naturaleza. En esta época, en la que, bajo el yugo de múltiples crisis —climática, ecológica y territorial—, la naturaleza, tal y como la conocemos, está en peligro de desaparecer y vuelve a ocupar con fuerza los debates de la actualidad, se impone la necesidad de reconsiderar nuestros vínculos con el mundo que nos rodea y del cual dependemos. También supone una ocasión propicia para reconsiderar su lugar en la creación moderna.
Arte y Naturaleza. Un siglo de Biomorfismo, nos brinda una oportunidad extraordinaria de reflexionar sobre pasado y presente de la relación entre el arte y la naturaleza, también entre la cultura y la ciencia, a través de la colección del Centre Pompidou. La exposición presenta una selección magnífica de obras del siglo XX en todas sus disciplinas: pintura, fotografía, escultura y diseño en la que se incluyen obras de algunos de los grandes nombres del mundo artístico, tales como, Dalí, Raoul Hausmann, Kndisky, Miró, Le Corbusier, Paul Klee, Alvar Aalto, etc. Así como la presencia de artistas de la últimas décadas que han aportado nuevos puntos de vista, Pamela Rosenkranz o Neri Oxman.
La muestra reúne alrededor de ochenta piezas distribuidas en cuatro apartados: metamorfosis, mimetismo, creación y amenaza, es decir, la atracción por las formas híbridas, la naturaleza como modelo, la creación con elementos naturales y el peligro de un cambio irreversible que termine con la belleza y la diversidad de la vida.
Aunque es a mediados del siglo XIX cuando se empieza a vincular la naturaleza y el arte, el surgimiento de la abstracción, en la década de 1910, modifica dicho vínculo al poner sus lienzos a la altura de los seres vivos, desafiando así el principio del modelo que imitar. Aunque los artistas de la épocas siguen inspirándose en el mundo orgánico, ya no se contentan con reproducir la apariencia exterior, sino que tratan de imitar sus principios creadores. Ya en 1960 numerosos movimientos artísticos, como reacción a la sociedad industrial y consumista, emplean la naturaleza como materia misma de la creación, trabajando a partir de elementos procedentes de la naturaleza, que mantienen en su estado primigenio y natural.
Esa búsqueda de afinidades con la naturaleza se lleva a cabo también en la creación contemporánea. La presentación de la muestra se ha realizado de tal forma que renuncia a la categorización didáctica o a la cronología, los visitantes se adentrarán en el universo de la naturaleza, que, en la era digital, parece ser la última muestra de pureza y verdad.
La muestra podrá visitarse del el 19 de febrero al 9 de junio de 2024 y cuenta con un catálogo editado conjuntamente entre la Fundación La Caixa y el Centre Pompidou. Así mismo se realizarán múltiples actividades relacionadas con la misma que incluyen talleres, visitas guiadas, tertulias y actividades para público escolar.
lunes, 29 de enero de 2024
NOEMI IGLESIAS BARRIOS: LOVE ME FAST
El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la exposición de Noemi Iglesias Barrios Love Me Fast, séptima entrega del programa Kora, comisariado por Rocío de la Villa, que presenta cada año una muestra concebida desde la perspectiva de género. En esta ocasión, el proyecto gira en torno a la obra de Noemi Iglesias Barrios (Langreo, 1987), con una veintena de piezas que dialogan con algunos cuadros de las colecciones del museo y que están realizadas en medios tan diversos como bronce, cristal, vídeo, fotografía y, principalmente, porcelana.
En Love Me Fast la artista asturiana nos habla del amor romántico en la época de las redes sociales, un amor idealizado en un plano de felicidad consumista, confrontado con las relaciones tóxicas que a menudo se producen. El resultado es una serie de piezas de gran belleza que, al mismo tiempo, cuestionan lo considerado arte y artesanía en la historia del arte, y actualmente en el arte contemporáneo en pleno siglo XXI.
Noemi Iglesias es una de las artistas contemporáneas que han vuelto a poner la cerámica y la porcelana en el centro del sistema artístico, tanto en ferias y bienales como en exposiciones en museos. Su interés por esta milenaria técnica le ha llevado a realizar, en algo más de una década, numerosas residencias en centros de estudio de países de distintas culturas, desde Grecia, Reino Unido y Hungría, hasta China, Corea o Taiwán, alcanzando una gran maestría en su ejecución. La tenacidad y paciencia que requiere el aprendizaje y los procesos de trabajo con porcelana parecen ser un antídoto frente al fast love que la artista analiza, critica y juzga sin paliativos en su obra.
El recorrido de la exposición arranca en la sala 45 de la colección permanente, donde la artista ha dejado una nota - Last Time Lover – junto a la emblemática Habitación de hotel de Edward Hopper, supuestamente, la que estaría leyendo su protagonista y cuyo texto fue encargado por la autora a un software de inteligencia artificial. De esta forma, Iglesias nos introduce en el mundo de las relaciones amorosas en la actualidad, mercantilizadas y vehiculadas en apps que, cada vez más, nos alejan del amor romántico tradicional para convertirlas en virtuales y engañosas. Partiendo de sus propias vivencias, de diferentes estados amorosos intercalados entre largos periodos de aislamiento idiomático y cultural en las sucesivas residencias, Noemi Iglesias aborda sus heridas personales con grandes dosis de humor y sarcasmo.
Tras este preámbulo, entramos en las salas propiamente de la exposición con un primer espacio en el que El rapto de Europa de Simon Vouet (h.1640) y dos versiones rococó de El columpio a cargo de Fragonard (h. 1750-1752) y de Lancret (h.1735-1740) se confrontan con tres buqués de flores de porcelana y con El mito de Europa (2023), una gran guirnalda con distintas variedades de flores azules sobre las que resaltan algunos pétalos amarillos, en alusión a la bandera de la Comunidad Europea. Precisamente fue en el siglo XVIII cuando se inicia en Europa la fabricación de porcelana, un producto de lujo hasta entonces importado de China.
El Jardin d’amour de James Ensor (h.1925) y El apuro de Francis Picabia (1914) dialogan en la segunda sala con algunas piezas de Iglesias como Love Profusion (2023), con flores hechas a mano en porcelana y pigmento rojo, mientras que una gran ilustración sobre azulejo titulada Bulk Love (2023) lo hace con La casa entre las rosas de Claude Monet (1925) y la vidriera Love Over (2023) versiona el amor enmascarado del óleo Love, Love, Love. Homenaje a Gertrude Stein (1928), de Charles Demuth.
Dos sugerentes imágenes del pop art de la colección permanente, Vidrio ahumado de James Rosenquist (1962) y Desnudo nº 1 de Tom Wesselman (1970), son las elegidas por Noemi Iglesias como contrapunto de las obras reunidas en un tercer espacio, como el rótulo luminoso Love me Fast (2023), la serie performativa de fotografías Heart & Chips (2015) o el conjunto de automóviles decorados con flores Everlasting (2019).
La gran instalación Quarantine y la porcelana Isolation, ambas de 2019, se presentan en una última sala junto a los vídeos Las historias reales de Off Love (2021) y He loves me, he loves me not (2018) para mostrar sus diversas visiones del amor tóxico, que van desde lo perjudicial y dañino a lo irónico y humorístico.
Fotografías: © Conchita Meléndez
lunes, 16 de octubre de 2023
BALKRISHNA DOSHI. ARQUITECTURA PARA TODOS
El Museo ICO ha presentado la primera retrospectiva dedicada en España a la obra completa de Balkrishna Doshi (Pune, India, 1927–Ahmedabad, India, 2023). La exposición, titulada, Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos (del 5 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024), es un proyecto del Vitra Design Museum y la Wüstenrot Foundation en colaboración con la Vastushilpa Foundation.
El famoso arquitecto y urbanista indio, el primero de su país en ser galardonado en 2018 con el premio Pritzker, fue uno de los pocos pioneros de la arquitectura moderna en el subcontinente indio. A lo largo de sus más de 60 años de carrera, Doshi realizó un gran número de proyectos de las más diversas tipologías. En sus obras no se limitaba simplemente a adoptar los principios de la arquitectura moderna, sino que los conciliaba con las tradiciones locales y las circunstancias culturales, materiales y naturales del lugar.
La exposición muestra numerosos proyectos de gran importancia realizados entre 1958 y 2014, y abarca un amplio espectro que va desde la planificación de ciudades y colonias residenciales enteras, universidades e instituciones culturales, edificios gubernamentales y administrativos, hasta casas privadas y espacios interiores.
Cuando Doshi comenzó su carrera como arquitecto, el funcionalismo, que había desbancado la visión holística del diseño propia del Movimiento Moderno, estaba en su punto álgido. Sin embargo Doshi, que había sido testigo del avance de líneas de pensamiento ancladas en lo local, principalmente a raíz de su viaje a Japón de 1958, comprendió lo tremendamente importante que es entender el pasado al tiempo que se trata de afrontar las exigencias del futuro. Esta convicción le llevó a buscar un léxico arquitectónico para el contexto indio que reflejara los patrones de comportamiento y los estilos de vida locales.
Muchas de las propuestas de Doshi nacieron de su toma de conciencia de los problemas irresueltos de un país en vías de desarrollo habitado por más de mil millones de personas. Las formas que cobran su arquitectura surgen de su decisión de dotar a sus proyectos de la máxima flexibilidad y versatilidad a cambio del mínimo coste posible.
La intuición ha jugado un papel muy importante en la materialización de las ideas de Doshi, quien cree que la arquitectura provoca un profundo impacto en los seres humanos y en sus conciencias. Doshi dedicó cuatro décadas de su carrera a crear instituciones fuera de la norma que con el tiempo se han convertido en destacados centros de enseñanza, investigación, debate y diálogo. También el compromiso de Doshi con el ámbito de la vivienda social le llevó a diseñar proyectos residenciales pioneros para colectivos con pocos recursos económicos, influido por la declaración de Gandhi sobre el concepto de bienestar social.
martes, 10 de octubre de 2023
PICASSO, LO SAGRADO Y LO PROFANO

















































